Cómo hacer en Photoshop un filtro de densidad neutra degradado

Steve Kossack, © 1999-2002
(traducción: Gustavo Sánchez Muñoz)

Introducción

Llevo ya varios años trabajando digitalmente y no he olvidado las razones de ello ni por un minuto. Cuando aprendí a trabajar en el cuarto oscuro me asombre de lo que se podría conseguir si se tenía la paciencia y el tiempo suficientes —por no mencionar los conocimientos—.

Ahora encuentro interesante cualquier técnica que me permita seguir digitalmente los procedimientos básicos de laboratorio que llegué a conocer y apreciar. El hecho de que se puedan ejecutar mucho más deprisa y con un grado de exactitud que nunca fue posible en el cuarto oscuro, le añade para mi mucha más enjundia. No mencionaré la ventaja de no tener que aspirar productos químicos… Aunque a veces me entre la tentación de poner un trozo manguera entre el tubo de escape de mi coche y mi mesa de trabajo sólo por nostalgia.

He leido con gran interés los artículos publicados en el sitio The Luminous Lanscape sobre el desenfoque gaussiano y la máscara de contraste. Son dos grandes recursos que uso con bastante frecuencia. Sin embargo, siempre me he preguntado como duplicar en Photoshop de forma sencilla el efecto de un filtro de densidad neutra degradado. Estos filtros —que son una herramienta de uso obligado para cualquiera que haga fotografías de paisajes— no siempre están a mano y, a veces, las características del lugar impiden su uso.

Hasta ahora, había usado las capas de Photoshop para combinar tomas con distintas exposiciones de una misma imagen. Hacía una toma para las sombras, otra para los medios tonos y otra para las luces.

Mis éxitos con estas tomas "compuestas" ha sido desigual. Es casi como estar de vuelta al cuarto oscuro. Miro las tomas y me digo: "Bueno… puede que con el tiempo suficiente pueda rescatarla".

Hasta hace poco era difícil encontrar artículos o libros sobre Photoshop enfocados a los fotógrafos. Antes de la reciente explosión de las cámaras digitales (desde las de "apuntar y disparar" hasta los respaldos de tres disparos de alto nivel pasando por las reflex), eran más los artistas gráficos y los técnicos de preimpresión quienes usaban Photoshop, no los fotógrafos.

No hace mucho, sin embago, he estado leyendo el espléndido libro de Martin Evening Photoshop 6.0 para fotógrafos. Evening tiene una solución muy rápida y simple para rescatar aquellas imágenes que podrían haber salido mejor de haberse aplicado un filtro de densidad neutra degradado al hacerlas.

[nota del traductor español: El libro de Evening es un excelente libro absolutamente recomendable para cualquier fotógrafo digital del que hay traducción española publicada por la editorial Anaya en 2001: ISBN 84-415-1155-1].

La técnica

La imagen antes de ser corregida. Las Puertas del Parque Nacional del Valle de Yosemite. Estados Unidos, 1999.	La imagen después de ser corregida.

Hay que usar una imagen que tenga casi todas sus partes bien expuestas salvo las luces o las sombras. En mi ejemplo, he usado una de mis imágenes favoritas del Valle de Yosemite. Anteriormente he usado para copiar siempre el disparo subexpuesto porque me gustaba el cielo y el reflejo en el agua. Esta vez, usaré el disparo sobreexpuesto. Ahí se ve que el cielo parece carecer de detalle, pero si pasamos sobre él con el cuentagotas, veremos en la paleta de "Info" de Photoshop, que aun se conserva información. Esto es, paso a paso, lo que hay que hacer:

1. Haz todo lo que suelas hacer para corregir y ajustar una imagen. En mi caso, fue editar la foto con un poco de uso de la perspectiva para nivelar bien el horizonte y un par de capas de ajuste (curvas y corregir color selectivamente).

2. Crea una nueva capa de ajuste de "Niveles". Llévate el controlador de gamma (el triángulo del centro) para oscurecer o aclarar la imagen lo necesario para que las zonas de luces o sobras de la imagen se vean como quieres. En mi fotografía fue ahora cuando comenzaron a verse tonos de color.

   

3. Con esta capa de ajuste de niveles activa, añadele una máscara de capa usando las opciones adecuadas en el menú "Capas".

4. Asegúrate de que tienes como colores de frontal y de fondo, los colores por defecto (Negro y blanco, respectivamente).

5. Vete a la herramienta de degradado lineal y aplícala a la imagen en las zonas en las que quieras que el orginal vuelva a mostrarse tal cual. En mi imagen, se trataba de los dos tercios inferiores (la apliqué, pues, de abajo arriba).

   

La dirección en la que se arrastra y como están dispuestos el blanco y el negro en el degradado, determinan cómo afectará la acción a las zonas. También se puede alterar la máscara del modo que prefieras, experimenta con el uso de un pincel suave en lugar de con el degradado. Recuerda que las zonas oscuras de la máscara enmascaran la capa de niveles aplicada imagen y la claras la dejan actuar. También puedes cambiar la opacidad de la máscara o de la capa de ajuste.

Éste era sólo el punto de partida. La experimentación es la esencia de la fotografía y, sobre todo, de Photoshop. Espero ue encuentres útil esta técnica.

[Nota del traductor español: El original de esta página está publicado en el sitio web "The Luminous Landscape", un sitio muy recomendable dedicado a la fotografía de paisajes. Véase allí: índice - Novedades - Índice de materias - Foro de discusión. Steve Kossak es un fotógrafo de paisajes y naturaleza del Suroeste de Estados Unidos. Ofrece cursos y talleres particulares a quien quiera contratarlo. Para más información: Steven Kossak]

Cómo hacer siluetas con trazados de recorte en Photoshop

Hacer una silueta (vignette), es recortar una imagen del fondo o situación en la que está. Siluetear imágener, algo muy común en diseño gráfico, se suele hacer para destacar una imagen (eliminado otros elementos) o para colocarla dentro de otra imagen (haciendo un fotomontaje).

En diseño gráfico digital, siluetear figuras se puede hacer con muchos programas, pero hasta no hace mucho la forma más usual de hacer siluetas era recortar las imágenes aplicando en Photoshop un trazado de recorte (clipping path) y guardando la imagen como documento *.eps (fichero PostScript Encapsulado).

Eso era así porque las transparencias (ahora tan de moda) no existían (el lenguaje PostScript no las admite) y cuando aparecieron lo hicieron lentamente: Muchos programas no las aceptaban bien y daban problemas al filmar.

Las cosas han cambiado. Las versiones más modernas de Photoshop tienen otros procedimientos no destructivos para siluetear partes de las imágenes y la mayoría de los otros programas de diseño profesionales los aceptan razonablemente bien. Por eso muchas personas afirman que los trazados de recorte son una cosa del pasado.

Sin embargo, aun son una técnica válida para muchos casos (de hecho "necesaria" en algunos de ellos) y saber cómo se hacen los trazados de recorte sigue siendo necesario. Explicar cómo se hace y se aplica es el objetivo de esta página.

Introducción: Los trazados, la pluma y las herramientas asociadas

Como ya hemos explicado, un trazado (path) es una línea (recta o curva) que tiene puntos intermedios y finales llamados nodos (nodes) y puntos de ancla (anchor points) o control (control points).

Desde sus inicios, Adobe Photoshop permite la inclusión de trazados dentro de las imágenes de mapas de bits. Estos trazados se pueden definir como trazados de recorte (clipping paths). Es decir: Cuando coloquemos las imágenes en otro programa (como Quark XPress o InDesign), esos trazados de recorte actuarán como máscara vectorial: Lo que quede dentro del trazado se verá, mientras que lo que quede fuera quedará tapado —pero no estará borrado, simplemente no será visible.

En Adobe Photoshop, los trazados se crean y controlan con la herramienta pluma (pen)

En las versiones más recientes de Photoshop, la herramienta Pluma tiene cinco variantes. La que nos interesa más es la "Pluma" a secas, aunque también usaremos "Añadir punto de ancla", "Eliminar punto de ancla" y "Convertir punto de ancla".

Los trazados se selecciónan con las dos flechas de selección: Selección de trazado (path selection) y selección directa (direct selection).

Además, hay una paleta ("Ventana - Trazados") para tratarlos.

Advertencia: Cuidado con las preferencias de la pluma

Antes de comenzar a trabajar en Photoshop, hay que recordar que las herramientas vectoriales tienen en sus preferencias tres modos de actuar básicos mutuamente excluyentes, que suelen despistar al usuario novel; (de izquierda a derecha):

• Capas de forma: Esta es la que se activa por omisión. Sirve para dibujar capas de elementos vectoriales. No es la opción que debemos elegir para hacer un trazado de recorte.

• Trazados: Ésta es la que debemos seleccionar cuando vayamos a hacer un trazado de recorte. Simplemente dibuja trazados vectoriales. Es el modo "clásico" de la pluma.

• Rellenar píxeles: La pluma pinta como un pincel.

Si queremos trabajar para hacer trazados de recorte, debemos activar la preferencia "Trazados". A esas preferencias se accede mediante el menú "Ventana - Opciones" y se suelen situar en la zona superior izquierda de la pantalla.

Cómo dibujar el trazado

Dibujar bien trazados en cualquier programa con la pluma es una técnica que se tarda un poco en dominar y no la vamos a explicar aquí. Afortunadamente, para trazar imágenes no hay que saber mucho: Basta con ir repasando los bordes allí donde queramos que se produzca el recorte.

Probemos a siluetear esta fotografía del presidente estadounidense Ulysses S. Grant (el original digital está disponible en el sitio American Memory, de la Librería del Congreso de los Estados Unidos).

Lo que vamos a hacer es repasar todo el borde del personaje, incluyendo los bordes interiores del brazo que tiene metido en el bolsillo.

1. Con la imagen a siluetear abierta, activamos la pluma (asegurándonos de que la preferencia esté en modo "trazados", como hemos indicado).

2. 

   Pinchamos allí donde queramos comenzar a trazar la silueta. Aparecerá un cuadradito pequeño. Ese es el primer nodo del trazado. Llevamos el cursor hacia el siguiente punto (no hace falta estar apretando ningún botón) y volvemos a pinchar. Aparecerá un segundo cuadradito que estará unido por una línea al primero. Ese es el trazado.

3. 

   Si no hemos soltado el botón del ratón al pinchar por segunda vez, mantengámoslo apretado y estiremos un poco en la misma dirección en la que queremos que el trazado siga. Veremos que aparecen como unas boleadoras argentinas que se estiran y encogen según movamos el cursor. Además, el trazado se curvará en una u otra dirección. Esas boleadoras son los "manejadores" (handlers) y sirven para controlar la forma y dirección del trazado.

4. Si comenzamos con una forma sencilla, veremos que hacer ese estiramiento al ir dibujando los nodos ayuda bastante a hacer trazados suaves y con pocos nodos. Eso es importante porque así los trazados harán formas más naturales, serán más ligeros y será más fácil aprender a hacerlos.

5. Cuando hayamos recorrido toda la imagen a siluetear, llegaremos a encontrarnos de nuevo ante el primer nodo. Veremos que el cursor se transforma de nuevo en pluma con un redondelito pequeño al lado. Esa es la manera que tiene Photoshop de decir que si pinchamos ahí el trazado se cerrará. Debemos hacerlo.

   Dejar un trazado abierto no es conveniente, pueden producirse efectos inesperados en el silueteado.

6. Si la imagen tiene zonas interiores que también debieran ir enmascaradas, volvemos a pinchar en la zona y dibujamos un nuevo trazado. Como no hemos creado un "Nuevo trazado" en la paleta "Trazados", ese nuevo trazado es un "subtrazado" y forma parte del trazado general.

7. 

   Si miramos en la paleta trazado, veremos que el trazado aparece como "Trazado de trabajo" o "Trazado en uso" (working path: La traducción depende de la versión de Photoshop.

   Aunque podemos guardarlo de momento para rematarlo más tarde, "Trazado de trabajo" o "Trazado en uso" no son nombres válidos. Y un nombre válido es imprescindible para poder usarlo luego como trazado recorte.

   

   Para nombrarlo basta con hacer doble click sobre el nombre del trazado en la paleta de "Trazados" y Photoshop nos ofrece llamarlo "Trazado 1" (o 2, 3, etc… según haya varios). Ese mismo nombre podría valer, pero podemos darle el que queramos; en este ejemplo será "Grant".

   

   En una sola imagen podemos tener tantos trazados como queramos, por lo que es conveniente darles un nombre coherente.

Con eso ya está preparado el trazado, pero aun no es un trazado de recorte.

Como activar en Photoshop un trazado como trazado de recorte

Una vez que hemos dibujado, nombrado y guardado el trazado con el que queremos siluetear hay que marcarlo como trazado de recorte: Hay que seleccionar el trazado que se quiera activar como trazado de recorte (para hacemos un click sobre su nombre en la paleta "Trazados") y entonces ir al submenú "Trazado de recorte…" en la paleta "Trazados". Si hubiera varios trazados podríamos elegir el que quisieramos.

En el cuadro de diálogo que aparece veremos dos opciones: "Trazado: …" y "Curvatura:… píxeles del dispositivo". En el primer caso, basta con indicar el nombre del trazado elegido. En caso de duda, en una imagen de alta resolución destinada a imprenta, un valor de 6 píxeles es adecuado. El motivo de la elección de estos números está muy bien explicado en otra página de Peter Fink.

Los formatos adecuados

Ahora debemos guardar la imágen en un formato válido para imprenta que reconozca los trazados de recorte. Eso se reduce a cinco formatos. cada uno tiene sus ventajas e inconvenientes:

• EPS: La opción "conservadora", preferente para sistemas de trabajo más anticuados o dudosos; por ejemplo: Quark XPress 4 o 5. Al ser puro PostScript, es el formato natural de los trazados de recorte. En caso de duda, elije siempre esta opción. Todos los programas que reconocen trazados de recorte los amiten en EPS (aunque algunos puedan tener fallos).

  Las numerosas opciones adecuadas para guardar este formato están explicadadas en detalle en otra página, pero el 90% de las veces serán: "Previsualizar: Tiff: 8 bits/píxel / Codificación: ASCII (archivos más pesados pero más compatibles) o Binaria (archivos más ligeros)". Sólo debes marcar "incluir datos vectoriales" si hubiera datos que lo requirieran (los trazados no lo requieren). No marques las otras opciones.

  Te recuerdo que los documentos EPS de alta calidad pueden ser bastante pesados.

• PSD: El formato nativo de Photoshop. Es la primera opción "avanzada", preferente para trabajos con los programas actuales de la suite CS de Adobe; por ejemplo InDesign CS. Si la imagen no tiene datos vectoriales es una buena opción, posiblemente la mejor. Pero si hay vectores, los expertos recomiendan el formato PDF.

• PDF: Es la segunda opción "avanzada". De hecho, según los expertos anteriores, es la mejor opción si la imagen tiene datos vectoriales. Las versiones más modernas del formato PDF son capaces de incrustrar fuentes, mantener los datos vectoriales, tener capas e incrustar perfiles. En ese sentido, un PDF bien construido es posiblemente la mejor opción… Hasta hace poco

  La gran pega es que a partir de la versión CS2 de Photoshop parece haber un problema con los trazados de recorte y PDF: InDesign no reconoce los trazados de recorte en los PDFs guardados directamente desde Photoshop y tiene problemas con los que lleg a reconocer. Así que hasta no tener claro que estos problemas de los PDFs se hayan solucionado (si eso ocurre), yo evitaría mezclar PDF y trazados de recorte.

• TIFF: Una opción "intermedia", recomendable para trabajar con imágenes de baja resolución en programas algo antiguos o cortos de memoria (se ve bien, se imprime bien en impresoras y toma bien los trazados). Úsala sólo para trabajos de baja resolución o si sabes al 100% que el impresor los acepta bien y usarlo te supone alguna ventaja conocida (por ejemplo, en Freehand suele dar menos problemas).

  Al guardarlo, te recomiendo que no uses compresión. Si lo necesitas, la más adecuada es ZIP, pero algunos sistemas anticuados (Quark XPress 4.1, por ejemplo) tienen problemas con ella.

• JPEG: Una opción intermedia "para aventureros". Tiene los posibles inconvenientes de TIFF y quizá algunos más (como errar al elegir el nivel de compresión óptimo o incompatubilidades de herramientas). Yo sólo lo usaría si estuviera muy muy seguro de lo que voy a hacer, estuviera trabajando para acabar en PDF y me fuera realmente ventajoso hacerlo. Y aún así me lo pensaría un poco más (aunque sea aceptable).

  Como eres una persona aventurera, no te voy a decir las opciones más adecuadas para guardar este formato

Ventajas e inconvenientes de los trazados de recorte

Desventajas

• Son duros, nítidos, cortantes. No admiten sutilezas ni sirven para siluetear imágenes con desenfoque o zonas translúcidas. Esta única desventaja pesa casi tanto como todas sus ventajas.

Ventajas

• Al ser vectoriales, pesan poco y se pueden llevar fácilmente a programas de dibujo o maquetación.

• Al ser vectoriales recortan aprovechando al máximo la resolución de impresión del dispositivo y es independiente de la resolución de la imagencual. Su nitidez es inmejorable. Por ejemplo, para enmascarar una imagen con un texto grande, nada supera a un trazado de recorte.

• Crear un trazado es más relajado que hacer una máscara por selección. Un trazado puedes guardarlo a mitad, soltar el ratón, irte a tomar un café y volver y sigue igual.

• Se pueden hacer curvas de una suavidad y continuidad que es muy difícil hacer con una simple selección.

Consejos y trucos

No conviene…

• Intentar trazar una figura que tenga zonas desenfocadas. Los trazados de recorte, al ser nítidos no sirven para delimitar zonas difusas.

• Trazar usando sólo líneas rectas (haciendo click, click, click… sin arrastrar nunca el cursor). Como a la naturaleza le gustan las curvas, la silueta será torpe y el trazado posiblemente demasiado complejo.

• Hacer curvas innecesarias. Cuando vayas a llegar a una zona con un cambio brusco (un ángulo, una esquina…) no sigas arrastrando el cursor. Crearías un codo muy incomodo de deshacer. Haz un click sin arrastrar (o arrastrando muy poco) y sigue con el procedimiento normal de arrastre en el siguiente nodo.

• Usar la varita mágica para seleccionar fondos, invertir la selección y luego en la paleta "Trazados - Hacer trazado de trabajo" para convertir la selección en trazado. Aunque eso a veces da buen resultado, en general termina en trazados de muy mala calidad y excesivo peso (debido a un número bestial de nodos, en su mayoría inútiles).

  Comenzar una selección partiendo de trazados suele dar mejor resultado que lo contrario, si se quieren obtener buenas calidades.

Conviene…

• Conocer la dirección en la que uno traza mejor. Algunos trazamos mejor siguiendo las agujas del reloj, otros lo hacen mejor en el otro sentido.

• Variar de vez en cuando la dirección de trazo. La atención y los músculos tienden a cansarse si siempre se hace en la misma dirección.

• Usar un lápiz con una tableta de dibujo si se van a hacer muchas siluetas (sea con máscaras o con trazado de recorte o con los dos). La velocidad, precisión y comodidad es muy superior a lo que se puede hacer con un ratón.

• Como los objetos de mapa de bits rara vez son 100% nítidos y a veces están con fondos que contrastan en color o tono con la imagen, meterse un poco "dentro" de la imagen, recortándola un poco de más, suele dar mejores resultados. Así se evita que luego la silueta se vea con un halo extraño.

• Cuando una imagen es muy oscura o sombría, a veces es muy difícil decidir por donde realizar el trazado. Un buen truco es crear temporalmente una "Capa de ajuste" de "Curvas" y aplicar una curva muy exagerada, lo bastante como para distinguir los límites en las zonas oscuras. Dibujamos el trazado y despúes descartamos la capa de ajuste "Curvas".

• Para siluetear bien hay que acercarse y alejarse con el la "Lupa" y el "Navegador" constantemente. No hay que tener pereza al hacerlo.

• El límite de una tarea de silueteado es la percepción y la resolución media a la que se va a imprimir. Es decir: Hay que trabajar bien los detalles, pero no hay que volverse loco intentando trazar detalles tan diminutos que las máquinas no vayan a reproducirlos. Podríamos decir que están más allá del "umbral de percepción" y deben ignorarse.

Además…

Los trazados de recorte se pueden combinar con las máscaras de capa y los programas más modernos (como Adobe InDesign) pueden aprovecharse de lo mejor de ambos mundos.

Gracias a la comodidad que tienen al dibujar, pueden servir como base para hacer selecciones más complejas. Comenzamos con un trazado, lo pasamos a selección y entonces desenfocamos, añadimos, borramos y modificamos lo que queramos. Para eso, recurrir a la "Máscara rápida" (que los usuarios noveles tienden a ignorar) es de una potencia y flexibilidad insuperable.

Cómo colocar una imagen con un trazado de recorte

En Quark XPress (hasta la versión 6)

Para colocar una imagen en Quark Xpress, ésta debe ir colocada dentro de una caja de imagen previamente dibujada. Así que primero dibujamos una caja de imagen. Luego colocamos la imagen dentro de la caja de imagen mediante el comando "Archivo - Obtener imagen" (ctrl+E).

Si definimos el trazado como trazado de recorte correctamente, veremos que la imagen se ha colocado ya silueteada en Quark XPress y que el fondo está enmascarado.

Si se nos hubiera olvidado marcar el trazado de recorte como tal o quisieramos siluetear con otro trazado, bastaría con ir a la opción "Tipo" de la orden "Elemento - Modificar - Recorte" y elegir "Trayecto incrustado". Luego, en la opción "Trayecto", elegimos el trayecto "Grant". El valor de "Espacio reservado" debería seguir en "0" y deseleccionamos la casilla "Bordes exteriores solamente" para que el hueco de su brazo derecho se vea.

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Recuerda que en Quark XPress la visualización de los EPS es muy mala (sólo se ve la cabecera de baja resolución, ya que los datos del documento (en alta resolución) van enlazados. No te preocupes: Se filmará a la resolución correcta siempre que el documento original la tenga, claro.

En Corel 12

Basta colocar la imagen con el comando "Archivo - importar". Sólo reconoce los trazados con imagenes EPS.

En Freehand MX

Basta colocar la imagen con el comando "Archivo - importar". Sólo reconoce los trazados con imágenes EPS y TIFF, y parece tener ciertos problemas con el formato EPS ya que muchas veces los importa con un fondo negro bloqueado.

En Adobe Illustrator

Adobe Illustrator CS2 es uno de los programas más flexibles en el tratamiento de los trazados de recorte: Los reconoce cuando la imagen importada es formato nativo de Photoshop (*.psd), un fichero PostScript encapsulado (*.eps) o un PDF. El formato preferente sería PDF (al nivel más alto posible) siempre que no interfiera el defecto de Photoshop CS2 que hemos mencionado antes. En su defecto, *.psd es la segunda mejor opción. Además, Illustrator es muy potente a la hora de hacer siluetas y máscaras de todo tipo.

Una imagen de mapa de bits con un trazado de recorte se puede importar a Illustrator mediante el menú "Archivo - Colocar" o simplemente arrastrandola a la mesa de trabajo de Illustrator desde el escritorio o desde una carpeta abierta. En el primer caso, conviene marcar la casilla "Enlazar" para mantener la imagen como documento independiente (lo que facilita la vida a las fotomecánicas siempre que recordemos adjuntarlo en el envío).

Illustrator reconoce automáticamente cualquier trazado que se hubiera marcado como "Trazado de recorte" y siluetea la imagen.

Adobe Illustrator permite incrustar las imágenes a través de la paleta "Enlaces", submenú "Incrustar imagen"). Entonces la imagen pasa a estar dentro del fichero de Illustrator (con el consiguiente aumento de peso).

En ese caso, Illustrator pasa a entender el trazado de recorte como una "Máscara de recorte" (es decir: Máscara vectorial) y podemos modificarlo con la herramienta "Selección directa" (la flecha blanca). Con el menú "Objeto - Máscara de recorte - Soltar" podemos liberar el trazado de recorte, que dejará de actuar como máscara.

En Adobe Photoshop CS2

¿Cómo se usa un trazado de recorte dentro de Photoshop? No es una pregunta con trampa. El método para que un trazado actue como máscar vectorial, tapando parte de una imagen sin borrar lo que oculta es usar una "Máscara vectorial". Hay dos formas de crearlas:

• Si el trazado ya existe: Se selecciona la capa en la que se quiere activar la máscara (se hace click sobre su nombre en la paleta "Capas") y luego, en la paleta "Trazados" se hace click sobre el trazado que queremos usar como máscara. Ahora basta ir al menú "Capa - Máscara vectorial - Trazado actual". El trazado pasará a convertirse en máscara.

• Partiendo de cero: Basta activar la primera preferencia del modo de actuar de la herramienta "Pluma" ( la de más a la izquierda). A partir de entonces, la pluma comenzará a dibujar una máscara vectorial en la capa que tengamos activa.

  Aunque hay que tener cuidado de no cambiar de preferencia a mitad de dibujo porque puede ser un poco lioso para el usuario novato, si queremos que la máscara tenga un subtrazado, deberemos cambiar al modo de pluma "Trazados" (la preferencia de enmedio).

Lo mejor de las "Máscaras vectoriales" de Photoshop es que se pueden combinar con "Máscaras de capa" (es decir: Máscaras formadas por bits), como se ve en la imagen de arriba.

Para conservar al máximo las capacidades de ese archivo, habría que guardarlo como formato nativo de Photoshop (*.psd) o como PDF (con las opciones más elevadas de nivel y la casilla "Conservar capacidades de edición de Photoshop". Sin embargo, eso último impedirá que se pueda usar completamente en otros programas que no sea Photoshop CS2.

Otra forma de crear un recorte vectorial en Adobe Photoshop es usar una "Máscara de recorte", que permite usar incluso texto sin trazar, pero esa es otra historia.

En Adobe InDesign CS2

Igual que en Illustrator CS2, una imagen de mapa de bits con un trazado de recorte se puede importar a InDesign mediante el menú "Archivo - Colocar" o simplemente arrastrandola a la mesa de trabajo de InDesign desde el escritorio o desde una carpeta abierta.

InDesign reconoce los trazados de recorte en documentos de formato nativo de Photoshop (*.psd), en documentos PostScript encapsulado (*.eps) y en PDF (siempre que no intervenga el mencionado defecto de Photoshop CS2). El formato de preferencia, como en Illustrator, sería un PDF o, si no, un *.psd.

En ese último caso, según los expertos, se pueden perder algunas capacidades del psd original al exportar como PDF el documento de InDesign , aunque yo no he sido capaz de reproducir esa circunstancia.

Al igual que en Illustrator, con la herramienta "Selección directa" (la flecha blanca) podemos acceder al trazado y modificar sus nodos. En InDesign no hace falta incrustar la imagen para ello. Sin embargo, no es posible soltar el trazado (para eso hay que editar la imagen en Photoshop).

Para modificar qué trazado de la imagen se usa como trazado de recorte, hay que seleccionar la imagen e ir al menú "Objeto - Trazado de recorte". Allí se puede seleccionar el trazado que se quiera. Además, para los trazados, se incluyen las opciones:

• Marco de margen: El efecto enmascarador del trazado se encoge hacia adentro en las unidades indicadas.

• Invertir: El efecto de enmascaramiento del trazado se invierte (el fondo pasa a verse y la silueta queda oculta).

Las otras opciones son para los canales alfa que pudiera haber.

Como ya he explicado en otra página, aunque InDesign trabaja perfectamente con trazados de recorte, hay maneras más flexibles y mejores de trabajar con siluetas en InDesign.

Cómo hacer un recorte arrugado en Photoshop

Introducción

En la Red se pueden encontrar varios tutoriales sobre cómo hacer un recorte de papel arrugado o manchado en Photoshop, Illustrator, InDesign o cualquier otro de los programas al efecto.

La mayoría se basan en la creación de arrugas artificialmente con Photoshop de forma similar a la siguiente descripción (extraida de un sucinto tutorial de RoseIndia.net).

Crear papel arrugado artificial con Photoshop

1. 

   "Archivo - Nuevo documento", en este ejemplo 100 × 100 píxeles, 72 ppp, modo de color sRGB.

2. 

   Con la herramienta "Degradado lineal" en modo de fusión "Diferencia" de blanco a negro, trazamos varios degradados al azar, pinchando en cualquier parte.

   

   El resultado del proceso se parecerá a la imagen que se ve arriba (entre cinco y diez degradados o suelen bastar).

3. 

   Aplicamos el menú "Filtro - Estilizar - Relieve" con los valores 133 de ángulo, 3 píxeles de altura y cantidad 100.

4. 

   Para que la textura destaque más, aplicamos "Imagen - Ajustes - Curvas" con la opción "Automático".

En principio, ya está, pero…

Tiene problemas

Esto funciona bien y rápido con texturas para web, que necesitan poca resolución (de ahí los 72 ppp) y no demasiada superficie.

Sin embargo, en texturas para trabajos impresos, que usan muchas veces de 250 a 300 ppp, el resultado de estas técnicas artificiales es poco satisfactorio. Las arrugas suelen quedar poco naturales y se requiere mucho trabajo para algo que se puede hacer de modo más sencillo, natural y expeditivo, en mi opinión:

Digitalizar con una cámara o escáner un papel arrugado

1. Tomamos un folio limpio y hacemos una bola con él, maltratándolo y arrugándolo (origami alternativo).

2. 

   Se estira bien y se le hacen un par de fotos con una cámara digital o se pasa por un escáner (yo he usado una cámara digital Panasonic Lumix TZ4).

3. 

   Ya tenemos la textura digital de papel arrugado. Así de simple.

   Con todo, si ésto de crear las texturas parece muy complicado, se pueden encontrar proveedores digitales que venden en colecciones de texturas (aunque también hay quien lo cede gratuitamente —gracias, Alfonso).

Montar un recorte en Photoshop

El ejemplo que viene a continuación es una muestra de cómo usar en Photoshop las texturas de papel arrugado que hemos fotografiado, añadiéndoles distintos contenidos y formas de recortes, para colocarlos después en un reportaje de una revista maquetado con Adobe InDesign.

La idea es crear los recortes usando una textura modelo (que se va modificando para que parezca distinta). En este ejemplo, para tres recortes se ha usado una única imagen (que se colocó derecha, luego rotada 180º y luego volteada lateralmente).

Las imágenes eran unos documentos disponibles sólo en fotocopias, mal escaneadas y muy deterioradas. De haberlos usado directamente, el resultado final hubiera sido irreal y plano.

1. Abrir y convertir a CMYK

   Se abre la primera fotocopia en Photoshop y se guarda como documento nativo de dicho programa (*.psd).

   

   Como está en en blanco y negro (escala de grises), la pasamos a nuestro perfil de CMYK (en este ejemplo, un perfil PSRgravureSC.icc de la ECI para huecograbado) a través del menú "Edición - Convertir en perfil…".

   Podríamos hacer esta conversión al final, pero yo prefiero hacerlo ahora para mantener el control sobre los tonos neutros (haciendo lo que veros a continuación).

2. 

   Como se habrá ido información a todos los canales y sólo la queremos en el canal negro, vamos a trasladarla a ese canal. Atención: No se trata de borrar los canales CMY, sino de trasladarla.

   

   En una imagen CMYK es muy fácil: Basta con ir al menú "Imagen - Ajustes - Tono/saturación", marcar la opción "Colorear" (el "Tono" da igual) y dejar la "Saturación" en "0".

3. Colorear el papel

   Ahora crearemos un "Estilo de capa" nuevo para darle un tono levemente avejentado al papel. No queremos darle mucho color sino que simplemente tenga una textura de tono que lo diferencie un poco del papel de la revista en si.

   Si la imagen no está desacoplada (unflattened) (es decir se llama "Fondo"), lo hacemos haciendo doble clic en la paleta de "Capas" y dándole cualquier nombre que queramos (salvo "Fondo", obviamente).

   

   Vamos al menú "Capa - Estilo de capa - Superposición de colores". Para empezar, ponemos el efecto en modo de fusión "Multiplicar". Allí elegimos el color de fondo (basta pinchar en el cuadradito de color al lado del "Modo de fusión"):

   

   Como tono, le damos 5% de amarillo y 5% de negro. Eso debería bastar, pero los valores precisos dependen de cada papel y sistema de impresión.

   

   Como querremos usar este efecto varias veces, lo guardamos como "Estilo nuevo" apretando el botón correspondiente en la paleta de "Estilos de capa" que estamos usando. Con darle cualquier nombre adecuado aparcerá disponible en la última posición de la paleta "Estilos".

4. Silluetear

   

   A continuación, se siluetea el papel con el método más conveniente en cada caso (explicado más en detalle en otra página de este sitio). En este ejemplo, he partido de un trazado hecho con la pluma que he convertido luego en máscara de capa (la razón es que es más rápido trazar con la pluma y luego, si hace falta, afinar en la capa.

   Convertimos el trazado en selección haciendo click-Ctrl sobre el trazado en la paleta de "Trazados". Añadimos una máscara de capa (menú "Capa Máscara de capa - Descubrir todas"), inviertimos la selección (menú "Selección - Invertir") y rellenamos de negro 100% lo que queremos enmascarar —lo que se ve verde en la imagen de arriba es que tengo las preferencias de transparencia así, para ver bien.

5. Añadir las arrugas

   

   Ahora, vamos al menú "Archivo - Colocar", y colocamos la imagen del folio arrugado.

   Si la textura se queda un poco corta, podemos ampliarla, ya que sólo va a servir como textura atenuada y el detalle no se va a ver mucho. Si la ampliación necesaria fuera mucha deberíamos plantearnos hacer una nueva fotografía con más resolución.

   Por cierto, se pegará como "Objeto inteligente". Como en este caso no es necesario ni util, lo convertimos en una capa normal (menú "Capa - Rasterizar - Objeto inteligente")

6. Siluetear o enmascarar las arrugas

   

   Ya está casi terminado. En la nueva capa que contiene la textura, creamos otra máscara de capa (menú "Capa Máscara de capa - Descubrir todas") y copiamos el contenido de la máscara de capa del documento fotocopiado: Hacemos Ctrl+Click en la capa de la fotocopia y, sin deseleccionar, pasamos a la máscara de capa de la arruga. Invertimos la selección (menú "Selección - Invertir"), y rellenamos de negro.

   Así habremos duplicado la máscara de la fotocopia.

   

   Desde la propia paleta de capa, se baja la "Opacidad" de la capa de la arruga hasta un "29%" (o lo que creamos conveniente) y se pone en modo de fusión "Multiplicar".

Recortamos lo que sobre de espacio vacío y ya está el documento preparado para su uso.

Usar el recorte en InDesign

El uso es sencillo: Desde el menú "Archivo - Colocar" de InDesign, lo ponemos en la página como una imagen más.

Para darle mayor realismo, le añadimos un poco de sombra con el menú "Objeto - Sombra paralela". Si hubieramos querido una sombra más elaborada, habríamos tenido que usar otro método, ya que las sombras nativas de InDesign son bastante limitadas.

El resultado se puede ver arriba, aunque obviamente, en el impreso final quedó mejor de lo que se puede apreciar.

Arrugas con contenido propio y más opciones

En este ejemplo se han usado unas fotocopias, pero el contenido "arrugado" puede ser una imagen de cualquier tipo y formato: Un gráfico de Illustrator, una capa de texto de Photoshop, una composición de cualquier tipo, etc…

Si el recorte es grande y se quiere añadir un efecto de realismo, se puede distorsionar el contenido para que se adapte a la forma de las arrugas.

Este paso sólo es necesario si el recorte va a ir a un tamaño y visibilidad que lo haga necesario. Le añade más realismo pero lo cierto es que muchas veces es innecesario.

Es importante valorar este punto, ya que este paso requiere interpretar o rasterizar los textos de Photoshop y los objetos inteligentes que hubiera como contenido, por lo que no sería posible editarlos luego si no es repitiendo todo el montaje (o parte).

Cómo trabajar más allá de los margenes en Photoshop

El problema

Uno de los pequeños problemas técnicos que más molestan al trabajar en Photoshop es que, si se trabaja a toda pantalla muy cerca del margen de una imagen que esté ampliada, es muy incomodo o imposible moverse. El margen de la imagen se queda clavado en el borde de la pantalla y no hay más modo de evitarlo que reducir la ampliación (con lo que se pierden los detalles)

…¿O no?

La solución

En la zona inferior de la barra de herramientas hay tres botones a los que se suele hacer poco caso. Basta con apretar el de enmedio ("Modo de pantalla entera con barra de menús") para que, de un modo mágico, Photoshop te permita desplazar el borde de la imagen sin tener en cuenta el borde de la pantalla.

Por cierto, para alternar entre los tres modos de pantalla, basta con apretar la tecla "F" (No importa si es mayúscula o minúscula).

El filtro 'Desenfoque de lente' en Photoshop CS

Por Ian Lyons, 2004

Una de las características nuevas introducidas en Photoshop CS es el filtro "Desenfoque de lente". Desgraciadamente, a Adobe se le pasó proporcionar indicaciones suficiantes sobre cómo usarlo. En este breve tutorial indico un poco como se debe usar. Aquí se ve un ejemplo de cómo he usado el filtro para replicar una técnica muy usada en fotografía llamada "foco diferencial".

Actualización: Muy poco despúes de publicar este tutorial, muchos lectores me enviaron correos preguntándome si era posible conseguir un efecto similar al del "Desenfoque de lente" usando el filtro "Desenfoque gaussiano" presente en versiones anteriores de Photoshop. La respuesta es claramente no. El filtro "Desenfoque de lente" funciona de forma completamente distinta al "Desenfoque gaussiano". Así que, antes de comenzar, merece la pena demostrar las principales diferencias que existen entre ambos filtros.

La diferencia entre los filtros de desenfoque

Imagen original	Con desenfoque gaussiano	Con desenfoque de lente
La imagen de la izquierda es la imagen sin modificar, la del centro es la modificada por el Desenfoque Gaussiano y la de la derecha es la modificada por el desenfoque de lente.

Observa que en el caso de la rejilla, el "Desenfoque gaussiano" simplemente suaviza los bordes, mientras que el "Desenfoque de lente" da como resultado un desenfoque que incluye una especie de duplicación o creación de motivo. Si miras la zona con círculos (que representan luces de diferente diámetro), verás que la imagen, en este ejemplo, tiene forma de hexágono.

Lo más interesante es el hecho de que en el círculo más grande, con el "Desenfoque de lente", su centro se ha mantenido blanco, mientras que en el caso del "Desenfoque gaussiano" se ha contaminado de gris. La forma concreta del desenfoque está controlada por el menú "Iris - Forma", del filtro "Desenfoque de lente", aunque no todas las imágenes reflejarán esta elección con la misma intensidad.

El filtro 'Desenfoque de lente en acción'

En este ejemplo, la imagen original tiene un motivo central my marcado, pero como el fondo es tan evidente, la composición carece de intención. Con un poco de previsión, podría haberlo hecho bien asegurándome de que el fondo estuviera fuera de foco, pero lamentarse a posteriori no soluciona nada. ¿Se puede salvar la sesión con el filtro "Desenfoque de lente", recien incorporado a Photoshop CS?

Paso 1

Comenzaremos por seleccionar en sujeto central de la imagen con las herramientas que consideremos más adecuadas a cada caso.

Paso 2

A continuación, creamos un canal de máscara usando la opción "Guardar selección como canal" que encontramos en la zona inferior de la paleta de canales.

Paso 3

Pulimos la máscara (en este caso en modo "Máscara rápida"), y nos aseguramos de que no haya zonas de valores intermedios. El resultado es un canal de máscara donde el sujeto central es blanco y lo demás negro.

Paso 4

Con el canal de máscara activo, abrimos el filtro en el menú "Filtro - Desenfocar - Desenfoque de lente". A continuación apretamos la tecla "Alt" y apretamos la tecla "Restaurar", para asegurarnos de que los valores vuelven a ser los del filtro como viene de fábrica.

En la opción "Origen" de la sección "Mapa de profundidad" elegimos "Alfa 1".

Paso 5

Si dentro del filtro hacemos click sobre la zona de la imagen que queremos que se mantega en foco, haremos que el control de "Distancia focal de desenfoque" cambie de "0" a "255".

[Nota del traductor: Este mando sirve para elegir qué valor de luminosidad de la máscara estará en foco: 255 equivale al blanco de nuestra máscara. Si fuera un gris de valor 128 gris, elegiríamos 128 y sólo las zonas que tuvieran ese valor serían el punto de foco]

Lo siguiente que haremos es aumentar el valor del control "Radio" en la zona "Iris" y veremos como el fondo desenfocado (lo que era negro en el canal de máscara) se desenfoca. Aquí simplemente ajustaremos el valor a nuestro gusto.

Con los atajos de tecado habituales en Photoshop, podremos hacer zoom a zonas concretas de la imagen y determinaremos cuánto "Ruido" necesitamos añadir a las zonas desenfocadas de la imagen para que no parezca antinatural.

El control de "Radio", que se encuentra en la sección de "Iris" del panel de control del filtro "Desenfoque de lente", permite ajustar la cantidad de desenfoque que se aplica a la imagen. El valor "0" no produce desenfoque alguno y el "255" produce el máximo posible.

Hay bastante más en este filtro de "Desenfoque de lente" de lo que se ve en este tutorial. Así, una más cara con un degradado de blanco a negro podría usarse para representar el efecto de profundidad de campo.

El uso de "Sombra/iluminación" en Photoshop CS

[Aviso: Esta página está pendiente de que me haga con una o dos imágenes en condiciones para ejemplificar mejor el uso de la orden].

A partir de la versión CS1, Photoshop incluyó una orden "Sombra/Iluminación" (shadow/highlight) en el menú "Imagen - Ajustes". Para aquellos que trabajan en modo RAW, existen opciones muy interesantes en Adobe Camera RAW y otros programas independientes que permiten decidir muchas opciones de exposición y, a partir de la versión CS2 de Photoshop, es posible trabajar con imágenes compuestas de alto rango dinámico (High Dynamic Range Images, HDR: "Archivo - Automatizar - combinar para HDR").

Sin embargo, la orden "Sombra/iluminación" es uno de los grandes avances de las versiones CS y si tiene un peligro, es la tendencia de los usuarios a abusar de ella una vez la descubren.

Algunos expertos acostumbrados a Photoshop desde versiones anteriores pueden abominar de esta orden, considerándola un automatismo para novatos que carece de la sutileza de la combinación de máscaras, capas de ajuste y curvas. Lo cierto es que la orden "Sombra/iluminación" es bastante más compleja de lo que parece (no equivale a curvas con máscaras de luminosidad) y es una herramienta más que se puede combinar con las ya existentes.

Para usarla en toda su potencia Lo primero es marcar la casilla "Mostrar más opciones", que amplia bastante el menú de opciones:

• Sombras

  Controla los valores de las zonas más oscuras ("Sombras") de la imagen; en una imagen de 8 bits, los píxeles con valores que van de "0" (negro total) a "128" (gris medio). En una imagen concreta, ese valor depende de las estadísticas concretas de la imagen (o sea: Que el punto medio podría no ser "128").

  • Cantidad

    Este valor controla cuánto efecto se quiere aplicar. Cuanto más alto es el valor, más intenso es el efecto del control. El valor "50%" es el que viene de fábrica. "0%" implica que no se aplica efecto alguno en las sombras.

  • Anchura tonal

    Esta opción controla qué zonas oscuras se modificarán. Un valor bajo (de 0% a 50%) hará que las zonas más afectadas por este control sean sólo las partes más oscuras de las sombras.

    Según se va subiendo el valor, se van incluyendo dentro del efecto del control píxeles más claros (pero siempre dentro de las zonas de sombras). A partir de cierto punto, los píxeles más oscuros ya no se ven alterados más, pero el efecto sobre los más claros (más cercanos a los tonos medios) aumenta.

    Un valor intermedio (50%, el que viene de fábrica), hace que se modifiquen proporcionalmente las zonas más oscuras de las sombras y menos las más cercanas a los tonos intermedios.

    En una imagen en la que sólo se quieren sacar detalles perdidos en las zonas más oscuras de las sombras, conviene dejar un valor tonal bajo. Si se desea alterar sombras más suaves (más claras) conviene subir el valor tonal. Si se quiere hacer eso sin afectar a las sombras más oscuras, el único procedimiento general es usar máscaras o el píncel de historia.

  • Radio

    Este valor es el que sirve a Photoshop para comparar y calcular en qué zona se encuentra un píxel, si en las sombras o en las luces. Cuántos más píxeles se incluyan, más píxeles alrededor de cada píxel usará Photoshop en ese cálculo.

    Como ese valor depende de cada imagen y de cosas como su resolución, no se puede decir que haya un valor ideal y sólo la experimentación permite alcanzar los resultados óptimos.

    Un valor "0" puede paracer una buena idea y hay algunas imágenes en las que puede serlo, pero en la mayoría de los casos no es una buena idea. Aplícalo y verás inmediatamente porqué.

• Luces

  Controla los valores de las zonas más claras de la imagen; en una imagen de 8 bits, los píxeles con valores que van de "128" (gris medio) a "255" (blanco total). Como en el caso de las luces, los valores concretos dependen de la imagen en si.

  • Cantidad

    Este valor controla cuánto efecto se quiere aplicar. Cuanto más alto es el valor, más intenso es el efecto del control. El valor "50%" es el que viene de fábrica. "0%" implica que no se aplica efecto alguno en las luces.

  • Anchura tonal

    Esta opción controla qué zonas oscuras se modificarán. Un valor bajo (de 0% a 50%) hará que las zonas más afectadas por este control sean sólo las partes más claras de las luces.

    Según se va subiendo el valor, se van incluyendo dentro del efecto del control píxeles más oscuros (pero siempre dentro de las zonas de luces). A partir de cierto punto, los píxeles más claros ya no se ven alterados más, pero el efecto sobre los más oscuros (más cercanos a los tonos medios) aumenta.

    Un valor intermedio (50%, el que viene de fábrica), hace que se modifiquen proporcionalmente las zonas más claras de las luces y menos las más cercanas a los tonos intermedios.

    En una imagen en la que sólo se quieren sacar detalles perdidos en las zonas más claras de las luces (unas nubes levemente marcadas en el cielo), conviene dejar un valor tonal bajo. Si se desea alterar luces menos claras (más oscuras) conviene subir el valor tonal. Si se quiere hacer eso sin afectar a las luces más claras, el único procedimiento general es usar máscaras o el píncel de historia.

  • Radio

    Este valor tiene el mismo efecto que el de "Radio" en el caso de las "Sombras".

• Ajustes

  Esta zona agrupa algunos pequeños ajustes adicionales.

  • Corrección de color

    El uso de los controles superiores, de sombras y luces, afecta a la composición de color de la imagen y se puden producir pérdidas de tono (la imagen queda en general con colores más tristes) o excesos de saturación.

    Este control "Corrección de color" va de "-100" (desaturar colores) a "+100" (saturar colores). El valor de fábrica es "0", que equivale a no hacer nada.

    El uso más frecuente es saturar cuando se han aplicado sombras y desaturar cuando se han aplicado luces. Siempre hablamos de valores moderados y no es extraño tener que usar máscaras para un uso más fino.

  • Brillo

    Este control es el que aparece en el caso de imágenes en escala de grises (la "Corrección de color" no aparece).

    Brillo Ajusta el brillo en una imagen en escala de grises. Este ajuste sólo está disponible para imágenes en escala de grises (donde no hay "Corrección de color").

    Este control "Brillo" va de "-100" (oscurecer) a "+100" (aclarar). El valor de fábrica es "0", que equivale a no hacer nada.

  • Contraste de semitono

    Este control permite graduar el contraste de las zonas de tonos medios (el nombre "semitono" de la versiones española induce a la confusión, una mala traducción del "Midtone contrast" original). Funciona de forma similar a los dos mandos anteriores: de "-100" (reduce contraste) a "+100" (aumenta contraste). Sólo afecta a los tonos medios de la imagen. Como en el caso de la "corrección de color" su uso debe ser moderado.

  • Recorte blanco

    Aquí se indica el valor que se va a usar como blanco al aplicar todos estos controles. En general, no procede tocar el valor de origen ("0,01%") si no se sabe que se está haciendo. Alterarlo hará que los detalles que haya en las luces más altas se pierda.

  • Recorte negro

    Aquí se indica el valor que se va a usar como negro al aplicar todos estos controles. Igual que en el caso del "Recorte blanco" no conviene alterarlo si motivo.

• Guardar como valores por defecto

  Esta orden hace literalmente lo que dice: Los valores que estén aplicados en ese momento se convertirán en los valores de fábrica cada vez que se abrá el control.

• "Guardar" y "Cargar"

  Con el lío de controles y la experimentación práctica que requiere alcanzar buenos resultados, no es extraño que se quieran guardar valores que dan buenos resultados. Cuando se tienen unos valores adecuados, se aprieta el botón "Guardar" y se elije un directorio para guardarlo como fichero "*.shh".

  Para recuperar uno de los valores guardados, basta con apretar el botón "cargar" e ir al directorio donde se halle el fichero.

Problemas en el uso de "Sombra/iluminación" en Photoshop

La imagen superior resume los principales problemas producidos por un uso inadecuado de "Sombra/iluminación" (lo que has leido hasta ahora es básicamente lo mismo que viene en la ayuda de Photoshop (que seguramente has sido demasiado vago para leerte). Casi todos ellos se derivan de dos causas: Aplicarlo demasiado a lo bruto y aplicarlo a imágenes que no lo necesitan o no lo admiten (por falta de calidad). Los principales son:

• Halos

  Cuando se aplica "Sombra/iluminación" con valores excesivos es fácil que se produzcan halos en las zonas de transición de luces a sombras. Son halos similares a los producidos por un uso excesivo del filtro "Máscara de enfoque".

  

  En la imagen superior los puedes ver sobre todo en la zona de montañas situadas detrás de los árboles. Suelen estar en las zonas de tonos medios, como en este caso.

  La manera de evitarlos es: Aplicar valores más moderados, usar máscaras para proteger las zonas que no se quieren alterar y usar el pincel de historia (partiendo siempre de valores moderados).

• Iluminación y colores irreales

  

  Una aplicación excesiva de esta orden puede producir también imágenes con una atmósfera luminosa irreal, como si la luz proviniera de todos lados y la imagen careciera de contraste y tuviera al mismo tiempo exceso de color (la piel de la gente blanca parece la de los indios de las películas, por ejemplo).

• Ruido

  Cuando se recuperan detalles en las sombras es fácil que lo que se haga sea recuperar también ruido y los defectos que pudiera haber.

  la primera solución es partir de imágenes que no tengan esos defectos. Dicho de otro modo: Es mejor aplicarlo a una imagen bien iluminada de 16 bits que a un jpeg de mala calidad de 8 bits.

  Si no, la otra solución es aplicarlo lo más moderadamente posible.

Enmascarar para proteger

Si no sabes cómo hacer unas máscara para proteger, es fácil. Supongamos que sólo quieres aplicar esta orden a las zonas claras de un cielo con nubes: Quieres sacar el detalle de las nubes, pero no quieres alterar las zonas de un paisaje que hay debajo: Haz una máscara de modo que selecciones sólo las nubes.

Si lo que quieres es tocar sólo los detalles más oscuros (es un paisaje con unas zonas muy oscuras y otras bien iluminadas): Haz Ctrl+click en el canal compuesto RGB en la paleta canales. Con eso se hara una selección en forma de máscara de luminosidad (las zonas de luces estarán más seleccionadas que las de sombras, que no lo estarán). Invierte la selección (Ctrl+Mayusc+I) y aplica la orden "Sombra/iluminación". Estarás tocando sólo las sombras.

Usar el pincel histórico

Tienes una fotografía con muy pocos detalles que quieres tocar. Quieres ser sútil porque son puntuales (digamos unos trajes de terciopelo negro).

La solución más fácil es aplicar directamente la orden "Sombra/iluminación" para corregir los detalles que queremos recuperar en las sombras, sin preocuparnos del efecto sobre el resto de la imagen. Luego vamos al la paleta "Ventana - Historia". Veremos que hay un paso anterior al de aplicar "Sombra/iluminación". Sitúate allí con el cursor y haz un click. El efecto de "Sombra/iluminación" habrá desaparecido.

Toma la herramienta "Pincel de historia" y pincha en la paleta "Historia" en el paso que dice "Sombra/iluminación". Ahora, cualquier zona que pintes recuperará el efecto de esa orden. Lo hará sólo allí con la anchura y opacidad que tenga el "Pincel de historia" (mejor usar uno suave y con opacidad media) .

Nada impide combinar la técnica de máscaras y pincel de historia.

Transición

Un mecanismo muy útil al hacer correcciones de color en Photoshop es usar la opción "Edición - Transición" (Ctrl+Mayusc+F): Se aplica la orden "Sombra/iluminación" y a continuación se cancela. Sin hacer ninguna otra operación (eso es esencial), se aprieta Ctrl+Mayusc+F. Aparecerá el menú "Transición", que permite rehacer la última opción (en este caso "Sombra/iluminación").

"Transición" permite rehacer proporcionalmente la última opción y hacerlo en el modo de fusión ("normal, multiplicar, aclarar, luminosidad, etc...") que más nos satisfaga. Eso permite afinar mucho más.

Conclusión

"Sombra/iluminación" es muy útil y flexible, pero, en cualquier caso: Hay que evitar los halos y las iluminaciones irreales, hay que resistirse a la tentación de aclarar todas las sombras en todas las fotografías, hay que ser moderado en el uso de "Sombra/iluminación" y recordar que funciona mejor con imágenes de calidad y en 16 bits.

Como ocurre con todas las herramientas de Photoshop, antes de usarla debes preguntarte: ¿Beneficia su uso en algo a la imagen? ¿Necesita esta foto aclarar las sombras u oscurecer las luces? y si la respuesta es "sí", se siempre muy prudente en su uso.

Para rematar como ejercicio, puedes darte un paseo por flickr usando como clave de búsqueda landscape (paisaje) o sunset landscape (paisaje con puesta de sol) y pensar si las imágenes que ves se beneficiarían de esa herramienta (y porqué). También puedes buscar los detalles reveladores de los defectos comentados más arriba que revelan como abusan algunas personas de una herramienta tan valiosa.

Enfocar con el filtro de 'Paso alto'

Michael H. Reichmann, 2001
(traducción: Gustavo Sánchez Muñoz)

Ruido de enfoque

Los fotógrafos y artesanos de todo tipo saben cuán importanter es tener herramientas especiales a mano para quellas ocasiones en las que las cosas no funcionan exactamente como uno esperaba. El filtro "Paso alto" de Photoshop es una de ellas. Esta es una forma de usarlo.

El filtro "Máscara de enfoque" es la herramienta en la que todos los que trabajan en el procesado digital de imágenes suelen usar para sacar detalles en sus imágenes. Pese a su nombre, esta herramienta no tiene nada que ver con máscaras o con desenfoque (debido a su nombre en inglés: Unsharp Masking, literalmente "Máscara de desenfoque"). Su nombre es sólo una reminiscencia de los días en los que se superponía un negativo levemente desenfocado sobre un positivo enfocado para resaltar los bordes de las zonas de contraste. De hecho, eso es lo que hace el filtro del mismo nombre en Photoshop: Aumenta el contraste en las fronteras de luminosidad (para un vistazo mejor al uso adecuado de la "Máscara de enfoque", véase mi tutorial Photoshop instantáneo).

Sin embargo, por muy útil que sea, el filtro "Máscara de enfoque" tiene sus problemas. Uno de ellos es que aumenta el ruido presente en el fichero. Las fotografías especialmente ruidosas pueden sufrir bastante cuando se les aplica la Máscara de enfoque.

Cómo usar la técnica del "Paso alto"

Paso 1

En la "Paleta de capas", selecciona la capa de "Fondo" haciendo click sobre ella. Elige entonces el submenú "Capas - Duplicar capa". A la nueva capa, dale el nombre "Máscara de enfoque".

Paso 2

Con la capa "Máscara de enfoque" seleccionada, ve al menú "Filtro - Otro - Paso alto ". Elije la opción "Radio" y dale el valor de 10 píxeles. Aprieta "OK".

Paso 3

Haz zoom con la lupa lo bastante cerca, hasta ver los píxeles en sí, para ver bien la operación siguiente.

Paso 4

En la "paleta de capas", selecciona la opción "Luz intensa".

Paso 5

En el triangulillo del selector de opacidad de la "Paleta de capas", rebaja la opacidad a gusto. El valor mejor para que el efecto no sea ni excesivo ni imperceptible suele andar entre el 20% y el 70%, dependiendo de la imagen.

Eso es todo.

Conclusiones

Lo que más me gusta de este método de enfoque es que se puede deshacer incluso después de haber guardado el fichero. Esto se debe a que el enfoque se hace en una capa aparte. De hecho se puede activar y desactivar la capa nueva para juzgar mejor el efecto.

Quiero dar las gracias a la revista australiana Design Graphics por llamar mi atención sobre esta técnica.

[Nota del traductor español: Podemos usar alguna de las herramientas de enmascaramiento y aplicar la capa "Máscara de enfoque" sólo allí y no a toda la imagen. El original de esta página está publicado en el sitio web "The Luminous Landscape", un sitio muy recomendable dedicado a la fotografía de paisajes. Véase allí: índice - Novedades - Índice de materias - Foro de discusión.]

Guía básica de impresión con una Epson y Photoshop 6

Por Ian Lyons, 2000

Introducción

Todo el que se enfrenta al controlador de una impresora Epson por primera vez no puede dejar de preguntarse qué opciones son las mejores. La documentación que la acompaña no va mucho más allá de decir "elija automático". En este pequeño tutorial paso a paso intentaré dar al usuario de Photoshop nuevo en estas lides unas ciertas bases de manejo.

Los ajustes disponibles en el controlador no son privativos de una impresora, deberían ser compatibles con casi cualquier impresora de inyección Epson de las disponibles actualmente en el mercado (y con muchas de las que tan sólo tengan unos años).

Los usuarios de impresoras Epson con PCs se sienten a veces desatendidos y afirman que Epson no les proporciona las herramientas necesarias para un flujo de trabajo con una verdadera gestión del color. El perfil ICC que se suministra con la versión de PC del controlador de la impresora Epson no es un perfil para un tipo de papel, ¿qué es, pues?

El perfil ICC único que se entrega con el controlador de PC de la impresora tiene un nombre del tipo de "Epson Stylus Photo 1270" al verlo desde el cuadro de diálogo de "Archivo - Imprimir". Sin embargo, el nombre del fichero en sí es bastante críptico (algo del tipo de "Ee089_1". Lo que este perfil hace es simplemente definir el espacio de color óptimo para la impresora Epson y va asociado a los modos ICM de Ajustes de Color "Calibración Epson", "PhotoEnhance" e "ICM". Es algo muy cercano al "sRGB" en términos de espacio de color. Cuando el controlador se ajusta en cualquiera de los tres modos citados, ya no necesita perfiles adicionales para cada soporte de impresión o medio.

Para lograr los mejores resultados, deberíamos primero haber configurado de forma nuestro Photoshop y calibrado nuestro monitor. Adobe proporciona la utilidad Adobe Gamma para poder calibrar nuestro monitor. He escrito un ensayo bastante exhaustivo en el que describo como configurar Photoshop 6 y cómo calibrar nuestra pantalla.

Conseguir una impresión aceptable

El típico usuario de Photoshop con impresoras Epson tiene dos flujos de trabajo (métodos) básicos. Ninguno de ellos es complicado y, de hecho, el 90% de las acciones son comunes a ambos. Los resultados deberías ser también muy similares. Lo que sugiero es que pruebes ambos y que así decidas cuál de los dos se puede adaptar mejor a tu forma de trabajar.

Método 1

(Qué el motor de color ICM de Windows haga las conversiones de espacio de color)

El el cuadro de diálogo de Photoshop 6 "Imprimir" del menú "Archivo" hay que asegurarse de marcar en la zona "Espacio de origen" la casilla de "documento" (1). En la zona de "Espacio de impresión", hay que elegir la opción de Perfil "Gestión de color de impresora" (2). La zona de "Propósito" no se puede alterar, ya que no es necesario porque cuando se usa este procedimiento no hay conversiones dentro de Photoshop.

Al elegir "Gestión de color de impresora", se incrusta el "perfil de espacio color de origen" en la imagen, con lo que se le dice a Windows y al controlador de la impresora de Epson que aún hay que hacer ciertas conversiones antes de imprimir. Este proceso de conversión es automático y el usuario no tiene que hacer nada, siempre que el controlador de la impresora Epson esté situado en el cuadro de diálogo "Más opciones" en los modos "Calibración EPSON", "PhotoEnhance4" o "ICM", como veremos más adelante. A continuación, apretamos el botón "Configuración" (3).

En la zona "Papel…" (4) del cuadro de diálogo "Ajustar página", debemos ajustar el tamaño, origen y orientación del papel, obviamente.

A continuación hay que apretar el botón de "propiedades" (5) del controlador de la impresora. Dentro del cuadro de diálogo subsiguiente, hay que elegir el "Tipo (de) papel" (6) que se va a usar. A continuación hay que elegir en la zona "Modo" la casilla "Predefinido" (7). Para terminar aquí, hay que apretar el botón "Más ajustes…" (8).

Dentro de la ventana "Más opciones" a la que hemos llegado, hay que elegir la "Resolución" (9) más alta posible en la impresora para el "Tipo de papel" que hemos elegido (podemos elegirlo de nuevo si queremos). La opción de semitono debe situarse en "Semitono Alta Calidad" (10). En la opción "Color" (11) puede elegirse entre las opciones "Calibración EPSON", "PhotoEnhance4" o "ICM", no hay mucha diferencia más allá de que el usuario puede manipular la imagen todavía un poco más antes de imprimirla. Lo cierto es que andar trasteando con la imagen en el controlador de la impresora no es una buena idea y la mayoría de esas opciones son para usuarios que no disponen de Photoshop. Mi preferencia va hacia la casilla "ICM", ya que deshabilita los otros controles de ajuste y elimina la mayoría de los procesos de color internos de la Epson. Para terminar, basta con apretar el botón "Aceptar" para regresar al cuadro de diálogo de Photoshop.

Método 2

(Qué el motor de color de Photoshop 6 haga las conversiones de espacio de color)

En el cuadro de diálogo "Archivo - Imprimir" hay que asegurarse de elegir el "Espacio de origen" (1)

El el cuadro de diálogo de Photoshop 6 "Archivo - Imprimir" hay que asegurarse de marcar la casilla "Espacio de origen" la casilla de "documento" (1). En la zona de "Espacio de impresión", hay que elegir la opción de "Perfil" de nuestra impresora (por ejemplo, "Epson Stylus Photo 1270"). En el "Propósito" hay que elegir la opción "Perceptual".

Los pasos siguientes de este segundo método son iguales a los demás (de 3 a 11) que se describían en el primer método.

Reflexiones finales

Ambos métodos son igualmente válidos y, dependiendo de si la imagen que se va a imprimir es una fotografía u otro tipo de gráfico, los resultados finales pueden ser muy parecidos, si no idénticos. El segundo método debería producir resultados marginalmente mejores, ya que usa el motor de conversión de color de Adobe, que es superior al ICM de Microsoft. Sin embargo, el proceso de color añadido que el controlador de la impresora Epson ejecuta reduce estas diferencias hasta el punto de que pueden ser imposibles de detectar.

Nota para los usuarios de modelos Epson Stylus Photo1200 y 750: Los usuarios de ambos modelos podrían encontrar que los resultados que se obtienen al seguir cualquiera de los dos métodos aquí descritos son demasiado oscuros y saturados. Si ese es el caso, les sugiero que se bajen de mi sitio las versiones corregidas de los perfiles de espacio de color de Epson. Cada uno tiene el nombre del perfil Epson ya existente en su ordenador y bastará con copiarlos en la carpeta "color" que se haya en la subcarpeta "system" de Windows (Windows 98) o en la carpeta "System32" (de Windows 2000). Epson Stylus Photo 1200, Epson Stylus Photo 750

Hacer una fotografía con marco de papel en Photoshop CS

Introducción

Hacer una fotografía con bordes de distinto tipo en Photoshop CS es sencillo. Se basa en crear una capa de "formas vectoriales" por delante de la imagen y darle el color adecuado. Además podemos hacerlo más interesante y eficiente creando nuestros propios marcos mediante las "formas (vectoriales) personalizadas".

La técnica se puede ver con un ejemplo muy sencillo, sin forma personalizada, al estilo de las Polaroids de hace pocos años:

Una fotografía con un marco estilo polaroid

1. 

   Para este ejemplo, usaremos esta fotografía de un general confederado del Sur de Estados Unidos (el original digital está disponible en el sitio American Memory, de la Librería del Congreso de los Estados Unidos). La imagen no tiene marco.

2. Disponer las preferencias de las herramientas vectoriales

   

   Seleccionamos la herramienta "Rectángulo", en la "Barra de herramientas". Nos aseguramos de que en la barra "Ventana - opciones" la preferencia de la herramienta sea la de más a la izquierda ("Capas de forma"). Ponemos como color frontal un tono suave neutro (para poder trabajar más comodamente).

3. Dibujar el marco exterior

   

   Dibujamos un primer marco alrededor de la imagen para hacer el borde exterior del marco de la foto. En este caso, en el que el marco es liso, no hace falta que ceñirse a los límites de la imagen. Puede sobresalir un poco. En otros casos, con bordes exteriores irregulares, no se debe llegar al límite o sobrepasarlo, como veremos más adelante.

4. Ajustar transparencia y nombrar capas (desacoplando)

   

   A continuación, reducimos un poco la opacidad del marco para poder ver qué hay debajo y modificarlo con precisión. En la paleta "Ventana - Capas" y modificamos la "Opacidad", dejándola en algo como "50%", por ejemplo.

   Y ya que estoy, por comodidad en este tutorial, le cambio el nombre a las capas haciendo clic en el nombre de cada una. Eso desacoplará la capa de "Fondo", por cierto.

5. Modificar el marco para ajustarlo lo necesario

   

   Si no hemos acertado con la forma exacta a la primera, la podemos modificar usando la flecha blanca de "Selección directa". Se comporta como su equivalente en Illustrator: Permite seleccionar puntos o líneas sueltas dentro de un trazado.

   

   En este caso, como la zona superior del marco ha dejado demasiado espacio por encima de la cabeza, seleccionamos los puntos que queremos mover y aprentando la tecla de bloque de mayúsculas (para que el cursor sólo se desplace en horizontal o vertical, arrastramos hacia abajo hasta dejar el borde más cerca de la cabeza.

6. Modificar de nuevo las prefrencias de las herramientas vectoriales

   

   Para dibujar el hueco interior del marco, cambiamos la preferencia de la herramienta "Recuadro" a la segunda opción (la que está en el centro), para así dibujar trazados en la misma forma vectorial sin que se cree otra capa de forma nueva.

   También hay que asegurarse antes de comenzar a dibujar de ir a la paleta "Trazados" y activar el trazado que se llamará algo parecido a "Máscara vectorial Forma 1". De ese modo, cualquier trazado que dibujemos ahora se añadirá a la forma vectorial del marco.

7. 

   Con El trazado "Forma vectorial: El general" activada (es decir, pinchamos en ella justo antes de trabajar), dibujamos con la herramienta "Recuadro" el hueco interior del marco.

   Si necesitamos modificarlo, puedes usar las flechas de "Selección directa" y "Selección de trazado", como hiciste antes (aquí también funciona la opción "Edición - Transformación libre de trazado" (Ctrl + T)).

8. Ajustar el color del marco

   En la paleta "Capas" hacemos que el modo de fusión de la forma vectorial vuelva al en modo "Normal" al "100%" de "Opacidad".

   

   Para modificar el color del marco, vamos al color de fondo en la paleta de herramientas y abrimos el selector de color (la imagen está en RGB aunque sea de blanco y negro). Macamos un gris suave. Para ello lo más fácil es modificar sólo el selector "L" (luminosidad) del selector en color Lab , por ejemplo: "Lab: 93/0/0".

   El color no cambia hasta que no rellenemos la capa (Alt + Borrar hacia atrás o "Edición - Estilos de capa - Superposición de colores: Modo de fusión normal / opacidad: 100% / Color: Lab 93/0/0". Obviamente más sencillo lo primero ).

9. Añadir una máscara de capa

   

   Tenemos el problema de que por encima sobresale un trozo de imagen que no nos interesa pero pudiera ser que al aplicarla nos hiciera falta. Así que vamos a ocultarla con una máscara de capa para que no se vea pero que siga ahí, escondida.

   Si no lo hicimos antes, desacoplamos la capa "Fondo" haciendo doble click encima en la paleta de "Capas" y dándole un nombre ("General", por ejemplo). Si no desacoplamos, la capa no podrá enmascararse ni moverse.

   Con el menú "Capa - Máscara de capa - Descubrir todas", creamos una máscara de capa. Al igual que sucede en "Máscara rápida", cualquier cosa que pintemos allí tapará la imagen de la capa asociada y, si queremos vilver a ver, basta con pintar de blanco esa zona. Tapar a media es pintar en grises.

   

   Con la herramienta "Marco de selección", hacemos una selección rectangular en torno a la zona de la imagen que queremos conservar. No hace falta ser muy preciso, lo hacemos por donde está el marco tapando.

   

   Sin abandonar la selección, invertimos la selección (menú "Selección - Invertir") y, asegurándonos de que el color frontal es negro, apretamos Alt + Borrar hacia la izquierda ("Alt + Backspace", suelen decir en inglés).

   

   Parte de la imagen habrá desaparecido. No se ha borrado. La pintura oscura aplicada en algunas zonas de la máscara la están tapando.

Terminación

Si ajustamos la capa vectorial con el marco en modo "Normal" al "100%" de "Opacidad" veremos el resultado final. Seguramente te estés preguntando ¿Y para este viaje tanta alforja? Pues sí…:

1. Primero porque no es tanto el viaje. Una vez que aprendes a hacer las operaciones es algo sencillo. Aquí está muy explicado porque es para alguien que tiene muy poca idea de Photoshop.

   

   Esta página es sólo un punto de partida para otros tutoriales (que tengo en preparación) con resultados como la imagen envejecida que ves más arriba, por lo que he quiero dejar muy claras las bases técnicas.

2. Segundo porque es el método menos destructivo. Con una simple selección en modo "Máscara rápida" y un rellenado de la selección con el color que quieres tardas menos. Pero no tiene marcha atrás. No hay correccciones. Y, además, se tarda casi lo mismo.

3. Y tercero y más importante, está técnica permite seguir con métodos de tratamiento más elaborados y flexibles que un simple borrado-rellenado.

Guardar un marco como "Forma personalizada"

Si tienes más imágenes que hacer o te ha gustado el marco, lo primero es seleccionar ese elemento vectorial pinchando en su icono correspondiente de la paleta "Capas" y guardarlo como "Forma vectorial personalizada" a través del menú "Edición - Definir forma personalizada"(el color de relleno y las texturas que pueda tener no se guardan, sólo se guardan los trazados implicados).

A partir de entonces, al menos en ese ordenador, la forma personalizada estará disponible para su uso en la herramienta "Forma personalizada" con su nombre.

Basta con elegir la forma correspondiente y arrastrala sobre la imagen. Luego se ajusta con la opción "Edición - Transformación libre de trazado".

Si te parece que los trazados de las formas no se están aplicando pudiera ser que fueran muy grandes y no los estuvieras viendo. Reduce la ampliación en pantalla y verás como están por fuera del "Lienzo". Redúcela sin miedo. Son elementos vectoriales y no pierden calidad.

Si tienes, digamos, 40 imágenes más, las 39 siguientes las vas a hacer mucho más rápido por el simple procedimiento de arrastrar encima una de las formas vectoriales personalizadas que tengas guardadas y aplicándole el color luego. De hecho, ambas cosas las puedes almacenar en una acción a la que asignas un botón de función (como F3 o Ctrl+F9, por ejemplo). Atención: Recuerda que las acciones no almacenan elementos, sólo guardan referencias.

Y si vas a usar luego InDesign, Illustrator o el mismo Photoshop para hacer un montaje de imágenes, éste es —dentro de Photoshop— el método más flexible.

Importar una forma desde Illustrator

Además del propio Photoshop. uno de los mejores programas para crear formas personalizadas de este tipo es Illustrator. Allí, con las herramientas de dibujo vectorial, más potentes y flexibles que las de Photoshop, es muy fácil crear formas.

Una vez terminadas, las copias en el portapapeles (Ctrl + C) y las pegas directamente en Photoshop (Ctrl + V). Cuando Photoshop te pregunte cómo quieres guardarla, elige la opción "Capa de formas" y la tendrás aplicada en el documento que tengas abierto.

Advertencia para web

Estos tutoriales son para artes gráficas impresas y la máscara de capa va a funcionar sin problemas en Photoshop, InDesign o Illustrator en un trabajo destinado a imprenta.

Sin embargo, si colocas esa imagen así en una página web sin recortarle el trozo superior, verás que sigue existiendo. Por eso, para web, te recomiendo que cortes una copia y sea esa copia ajustada la que uses. De hecho eso es lo que yo he hecho para escribir esta página.

La máscara de contraste

Por Michael H. Reichmann, 2001
(traducción: Gustavo Sánchez Muñoz)

El número de diciembre de 2000 de la revista PCPhoto traía un artículo de Richard Pahl titulado La máscara de contraste digital. En él se describe como usar una técnica que los laborantes de fotografía han usado tradicionalmente y que ahora se ha traducido a Photoshop (gracias, Richard).

Me entusiasmé al ver esta técnica actualizada, ya que su uso en el cuarto oscuro tradicional era, como poco, tedioso. En el cuarto oscuro digital es simple, rápida y más eficaz. Ahora forma parte de mi repertorio y la he adaptado a mi forma de trabajar.

En la imagen 1 se ve una fotografía tomada en el Cañón del Antílope en 1998. Esta imagen era parte de mi Portafolio destacado publicado en la revista Photo Technique en otoño de 2000 y de ella vendí un buen número de copias. También se da el hecho de que es una de mis fotografías más difíciles de copiar o imprimir. Aunque he usado numerosas técnicas para domarla, la técnica de enmascaramiento que aquí se detalla es la que me ha dado los resultados de mejor calidad.

El reto que plantea esta fotografía es su combinación de un amplio rango dinámico con un color ultra saturado. El Cañón del Antílope es un sitio con situaciones extremas de luz y, si capturarlas en la cámara es una delicia, también es un verdadero reto.

Estas tres imágenes lo dicen todo. La primera es el escaneado en bruto (hecho con un escáner Imacon Flextight). La segunda se ha hecho con una serie de ajustes normales de contraste, brillo y color usando los niveles y curvas en Photoshop. (consúltese, por favor, mi tutorial llamado Photoshop Instantáneo en la Guía para principiantes en Photoshop de un fotógrafo). La tercera imagen es la imagen final, corregida mediante una máscara de contraste.

Conseguí atenuar el trozo de cielo, extremadamente cálido, en la zona superior del fotograma hasta llevarlo a unos niveles controlables. Además, pude iluminar las zonas de sombra manteniendo al mismo tiempo unos colores saturados. Veamos como se hace.

Cómo hacer una máscara de contraste

Usar una máscara de contraste es como tomar un medicamento de amplio espectro: Sirve para lo que sea que tengas. Se puede usar para suavizar luces requemadas y para iluminar sombras. Puede hacer ambas cosas a la vez (como se ve en el ejemplo de estas páginas) o limitarse a una de ellas.

Paso 1

En la "paleta de capas", selecciona la capa de Fondo haciendo click sobre ella. Elige entonces el submenú "Capas - Duplicar capa". A la nueva capa, dale el nombre "Máscara de contraste". Si existiera alguna capa de ajuste previa (veáse Photoshop instantáneo), desplazala debajo arrastrándo la nueva "Máscara de contraste" encima de ella en la paleta de capas. No te preocupes si los ajustes anteriores desaparecen. Volverán a aparecer de nuevo.

Paso 2

Con la capa "Máscara de contraste" seleccionada, ve al menú "Imagen - Ajustar - Desaturar". La capa se volverá monocroma y con ella todo lo que hay debajo (por el momento).

Paso 3

Ahora, ve al menú "Imagen - Ajustar - Invertir". Esto convertirá la capa "Máscara de contraste" en una imagen negativa. Piensa en lo que va a pasar: Todo lo que en la imagen original era oscuro se ha vuelto ahora claro y todo lo que era claro será ahora oscuro. Lo que hay que hacer es aplicar esta capa de forma apropiada para que funcione.

Paso 4

Haz click con el botón derecho sobre la capa "Máscara de contraste" en la Capa de paletas y ve a la línea "Opciones de paleta".

En el cuadro "Modo de fusión", selecciona la opción "Superponer". Se verá un poco fea, pero todavía queda un paso.

Paso 5

Ahora necesitamos difuminar la capa "Máscara de contraste" para que no se cargue los detalles de la capa original. Esto se hace con el menú "Filtro - Desenfoque - Desenfoque gaussiano", usualmente con un valor de 10 a 30 píxeles. Tendrás que ver cómo cambia para que puedas hallar la cantidad óptima de desenfoque.

En un documento grande esto puede llevar bastante tiempo, por lo que es una buena idea experimentar con una versión de baja resolución (a 72 píxeles por pulgada). Cuando hayas conseguido el efecto deseado, puedes reabrir el documento original y repetir los pasos, ya sea mediante una acción de Photoshop o manualmente.

Mucho más

Bueno, de hecho hay muchísimo más. Puedes usar la opción "Opacidad" en el cuadro diálogo anterior para atenuar el efecto. Además puedes crear capas de ajuste adicionales para conseguir exactamente el efecto deseado.

Aquí he creado una "capa de ajuste de curvas" para iluminar las sombras u poco más.

Una mejora adicional sería usar alguna de las herramientas de enmascaramiento para aislar algun sector o algúna zona de brillo o color de la imagen y aplicar la capa "Máscara de contraste" sólo allí y no a toda la imagen. Esto es lo que solíamos hacer en el cuarto oscuro tradicional con las máscaras de películas litográficas.

Como siempre ocurre en Photoshop, hay oportunidades interminables para la experimentación. Espero que este tutorial haya servido para descubrir esta útil técnica procedente del cuarto oscuro tradicional y cómo aplicarla en Photoshop.

Última actualización (febrero de 2001): El lector Åke Vinberg ha escrito un informe muy informativo sobre el efecto que tiene la variación de la intensidad del Desenfoque gaussiano al usar esta técnica.

[Nota del traductor español: El original de esta página está publicado en el sitio web "The Luminous Landscape", un sitio muy recomendable dedicado a la fotografía de paisajes. Véase allí: índice - Novedades - Índice de materias - Foro de discusión.]

Los duotonos en Photoshop

gusgsm, 2001.

Introducción

Imprimir en tintas directas (también denominadas a veces tintas especiales o "colores directos") quiere decir varias cosas: La primera y más obvia es que la imagen va a ser impresa. Es decir, que su destino final no es un monitor RGB o la Red. La segunda es que para imprimirla se van a usar tintas directas, es decir tintas que no son las tradicionales usadas en cuatricromía (Cian, Magenta, Amarilla y Negra) sino otras cuyos pigmentos han sido mezclados para obtener tonos muy concretos, incluyendo metalicos (dorado, plateado, bronce, etc…) o fluorescentes.

Estas tintas especiales suelen estar referenciadas de acuerdo a catálogos de fabricantes internacionales que, como el sistema Pantone de colores, han llegado a ser un estándar internacional.

Forzando un poco la mano se puede decir que ciertos barnices, que se aplican sólo en zonas concretas de una imagen o diseño, entran también en este ámbito de tintas directas.

Uno de los usos indirectos de este tipo de imagenes es, convirtiéndolas luego a CMYK, conseguir virados de fotografías muy predecibles y repetibles.

Photoshop y los colores directos

La forma tradicional en la que Photoshop maneja los colores directos es mediante el modo "duotono" (que incluye "monotonos, duotonos, tritonos, etc…"). La idea es muy sencilla. Un único canal sirve para mezclar según unas curvas de tinta los distintos colores que componen una imagen. Los "duotonos" de Photoshop se dividen en monotonos, tritonos y cuadritonos.

La explicación de Adobe es, según consta en la propia ayuda de Photoshop (versión 5.5):

"Los duotonos se usan para aumentar el rango tonal de una imagen de escala de grises. Aunque una reproducción de escala de grises puede reproducir hasta 256 niveles distintos de gris, una imprenta sólo puede reproducir unos 50 niveles de gris por tinta. Esto quiere decir que una imagen de escala de grises impresa sólo con tinta negra se verá notablemente menos sutil que la misma imagen impresa con dos, tres o cuatro tintas, donde cada una reproducirá unos 50 niveles de grises.

A veces los duotonos se usan imprimiendo una tinta negra y una tinta gris: El megro para las sombras y el gris para los mediostonos y las luces. Más frecuentemente los duotonos se imprimen usando una tinta de color para las luces. Esta técnica produce una imágen ligeramente tintada cuyo rango dinámico se ve significativamente aumentado.

Los duotonos son ideales para trabajos de imprenta con dos tintas en las que se use un color directo (como una tinta PANTONE) para enfatizar. Debido a que los duotonos usan distintas tintas para reproducir distintos niveles de gris, Photoshop los trata como imagenes de escala de gris de 8 bits con un sólo canal. En el modo duotono, no se tiene acceso directo a los canales individuales (como sí ocurre en los modos RGB , LAB o CMYK). La manera de manipular los canales es mediante las curvas de tinta de los cuadros de diálogos de la opción "Imagen - Modo - Duotono"

Para manipular los canales de forma independiente hay que convertir la imagen a modo multicanal, pero esa es otra historia.

Los monotonos

Son la forma más sencilla de esta idea. Un canal, una tinta que se aplica conforme a una curva. Para convertir una imagen cualquiera, lo primero que hay que hacer es convertirla en una imagen de blanco y negro de 8 bits (en Photoshop no se pueden pasar imagenes de color a duotono directamente).

A continuación la convertimos en duotono (menú "Imagen - modo - duotono") eligiendo la opción "monotono".

La tinta que por defecto nos ofrece es la negra y la curva es la lineal (0 es 0, 50 es 50 y 100 es 100…).

Sin embargo podemos elegir cualquier tono de Pantone que queramos, por ejemplo. Pinchamos en el cuadro de tinta negro y nos sale el selector de color. Elegimos PANTONE 314 CVC.

El resultado es una imagen azulado verdosa. Para imprimirla en un programa de maquetación como Quark XPress o de ilustración como Illustrator o Freehand, debemos guardarla como EPS (Fichero PostScript Encapsulado), ya que de otro modo no podremos colocarla. Cuando la coloquemos en Quark XPress, generará por si sola una plancha llamada PANTONE 314 CVC. Esa es la ventaja de utilizar este sistema de creación de imágenes. Otra ventaja es que si queremos modificar el color o el comportamiento de la tinta lo podemos hacer sin destruir la imagen, ya que se puede modificar como se quiera para volver al original. Sin embargo, es con los duotonos donde se ve mejor esta ventaja.

Los duotonos, tritonos y cuadritonos

Los duotonos son una continuación de los monotonos pero ahora con dos canales. Tomamos la imagen anterior (que ya era un duotono) y vamos al menú "Imagen - Modo - Duotono".

Elegimos la opción "duotono" y Photoshop nos ofrece una nueva tinta. Si elegimos el negro, veremos que las sombras (zonas oscuras) de la imagen ganan fuerza y dramatismo.

Ese es el resultado de sumar tinta negra a la tinta PANTONE 314 CVC. Lo que era una imagen más bien plana se convierte en una imagen mucho más interesante. Sin embargo, las zonas de sombra han quedado demasiado oscuras. Eso se debe a que las dos tintas se comportan de forma exactamente igual y linealmente (de 0 a 100). El resultado es que las dos tintas se superponen siempre con el mismo valor.

Este es el ejemplo de que esto no tiene porque ser así. En este caso las curvas han sido así:

La curva del negro ha sido:

Y la del PANTONE 314 CVC:

Si nos gusta este efecto de color y queremos repetirlo en posteriores ocasiones, no tenemos más que ir a la opción "guardar" del cuadro de diálogo. Cuando queramos volver a usar este duotono con sus valores, no tendremos más que ir a "cargar" y recuperarlo.

El propio programa Photoshop trae desde hace varias versiones un buen lote de monotonos, duotonos, tritonos y cuadritonos muy ajustados y conseguidos. En caso de dudas y para empezar a trabajar con este tipo de imágenes, es un buen consejo recurrir a estas curvas "prefabricadas" mediante "cargar". Estan en una subcarpeta de la carpeta del programa en el disco duro.

Los tritonos y cuadritonos no tienen mayor misterio que el de añadir una tinta o dos más a los duotonos.

Cómo guardar los duotonos para su uso en otros programas

Para usarlos en cualquier otro programa es conveniente guardarlos como EPS.

Las opciones posibles son: 1. Previsualización (Tiff 8 Bits por píxel para ver una representación en color). 2. Codificación (ASCII si queremos que el fichero no tenga problemas de compatibilidad con impresoras o filmadoras antiguas o binario si queremos que pese menos). 3. Incluir Tramas de semitonos y función de transferencia (desactivado para que el servicio de la fotomecánica cargue las que tenga o activadas si tenemos seguras nuestras preferencias en este sentido). 4. Gestión de color Postscript (en principio es preferible indicar que sí).

De este modo, podremos usarlo en Quark XPress. Como ocurre en Quark XPress desde la versión 3.32, los ficheros EPS que usan tintas directas las traen a la paleta de colores de Quark XPress. Si intentamos imprimir el fichero y marcamos la opción "separaciones" para hacer las separaciones de planchas de impresión, veremos como aparece una quinta plancha llamada del mismo modo que la segunda tinta del duotono.

Si tenemos cargado el programa Acrobat de Adobe y usamos Acrobat Distiller como impresora virtual, podremos, sin coste alguno de fotolitos ni molestias de papel arriba, papel abajo, hacer una prueba virtual de planchas (sólo para hacernos una idea aproximada de que todo irá correctamente.

El programa de ilustración Freehand (al menos desde su versión 9) también admite bastante bien este tipo de ficheros EPS y, como QuarkXPress, importa el color directo y lo asigna a una plancha correspondiente.

Illustrator,de la misma firma Adobe que Photoshop, también admite la colocación dentro de sus archivos de imágenes de duotono en formato EPS. Sin embargo es imprescindible que para que los colores planos incorporados en el fichero de duotono vengan a Illustrator de forma correcta y este programa los trate como planchas separadas, marquemos la casilla "enlazar" del menú "Archivo - Colocar…" de Illustrator.

Los ficheros multicanal de Photoshop

gusgsm, 2001.

Ya hemos visto cómo usar tintas directas en imágenes creadas con Photoshop. El problema es que en los duotonos, tritonos y cuadritonos sólo hay un canal, por lo que no es posible tratar cada tinta de forma distinta según las zonas de la imagen. Es decir, no podemos hacer una zona en la que solo haya, por ejemplo, un parche cuadrado de tinta PANTONE 314 CVP, mientras que en el resto sólo hay una imagen de semitono en blanco y negro.

La solución para esto y cosas similares es el modo de imagen de Photoshop llamado "Multicanal" (menú "Imagen - Modo - Multicanal"). En este modo, cada tinta es un canal que a la hora de imprimir se superpondrá en el orden que determinemos sobre los otros. Por ello, es posible tratar cada zona de forma particularizada.

Para obtener un duotono que tenga estas características debemos seguir los siguientes pasos:

Convertirla en un duotono normal, como ya vimos antes.

Ir al menú "Imagen - modo - multicanal".

Veremos que en la paleta de canales, han aparecido tantos canales como tintas directas tuvieramos y cada uno tendrá el nombre que le hubieramos asignado a cada tinta. En nuestro ejemplo anterior, tendremos dos canales: PANTONE CVP y Negro.

Si lo que queremos es colocar un parche azulado sobre la imagen, ni siquiera tendremos que hacer esto. Bastará con convertir una imagen de blanco y negro en una multicanal ("Imagen - modo - multicanal"), crear un nuevo canal de tinta plana o color directo (en la paleta de "canales"), hacer una selección y rellenarla con 100% de negro.

Si en nuestro antiguo duotono, ahora multicanal, hacemos una selección cuadrada y la vaciamos en el canal negro, quedará una zona de la imagen azulada mientras el resto es duotono.

Esta técnica valdría tambien si lo que queremos es crear una tinta especial que sólo aplicaremos en zonas de la imagen para posteriormente aplicar un barniz especial sobre la imagen al imprimir. Lo único que habría que hacer es crear un canal nuevo, asignarle un nombre como "barniz" o similar y asignarle una tinta que nos permita ver bien (el impresor siempre podrá cambiar los valores de semitono, trama, etc… o incluso anularlo, ya que se conserva como canal aislado). Así podremos hacer esas portadas de libros en las que cubiertas mate sólo tienen barniz brillante (UVI) en algunas zonas. Lo mismo es aplicable a tintas metálicas, fluorescentes o cualquier cosa especial que se quiera.

Para generar una tinta plana en un documento Photoshop del modelo de color que sea, hay que ir a la "Paleta de canales" y elegir la opción "Nuevo canal de tinta plana…". Allí eliges el color directo Pantone o de otro tipo que quieras.

Las opciones en el cuadro de diálogo subsiguiente son tres:

1. "Nombre": Puedes asignar cualquier nombre que desees, pero si estás trabajando con un catálogo estandarizado como Pantone, deja que el programa le asigne el nomre por defecto (tendrás menos problemas).

2. "Color": Aquí eliges la composición del color. Al tratarse de una tinta directa su aspecto es una mera representación visual. No afecta al color a no ser que lo transformes en un color CMYK, Lab o RGB, en cuyo caso Photoshop tratará de aproximarse basándose en esta representación.

3. "Solidez": Aquí puedes elegir una representación de cómo se verá la tinta directa al combinarse con otras tintas. Puedes elegir ver una representación como se sobreimprimirá total o parcialmente (atención: el efecto depende mucho de la tinta). También puedes elegir ver como calará. Por defecto, en la realidad, las tintas planas sobreimprimirán sobre todas las otras (por lo menos hasta la versión 6.01 de Photoshop).

Para guardar estas imágenes y poder usarlas en otros programas de impresión o para que queden listas para una fotomecánica, debemos guardarlas como "Fichero multiple" con "compuesto de color", "codificación ASCII".

Esas son, según Adobe, las preferencias que mejor resultado dan al guardar un fichero EPS DCS 2.0 en lo referente a compatibilidad y portabilidad. En cuanto a guardar funciones de transferencia, etc… Guardalas si tienes algo que guardar (es decir, si has especificado ángulos de trama, tramas especiales, ganancias de punto, etc…). Si no es así, deja a la fotomecánica o a la imprenta ese trabajo.

También vale todo lo dicho hasta ahora para imágenes en color en las que queramos incluir una tinta directa. Basta con convertirlas en multicanal y añadir un canal de tinta plana (véase el ejemplo).

Hay un pequeño problema, con todo. Es que es un poco difícil revertir una imagen imagen multicanal a modo color (ya sea CMYK o RGB). Cuando lo intentas, verás que las opciones de color o duotono del menú Imagen - Modo están desactivadas y que sólo te deja convertirla a escala de grises o mapa de bits. Por eso te recomiendo que, antes de convertir una imagen a multicanal o duotono, guardes una copia del original.

Sin embargo, por si acaso se te olvidó, llegó a tus manos así o cualquier otra razón, hay una forma de convertir una imagen multicanal a un modo de color CMYK o RGB:

1. Crea los canales extra necesarios para formar una imagen RGB (tres canales) o (CMYK). El nombre que les des da igual. Asegurate de que están vacíos. Arrastrándolos arriba en la paleta "canales", ponlos delante de los canales ya existentes en la imagen multicanal.

2. Verás que las opciones de color del menú "Imagen - Modo" ya están disponibles. Conviérte la imagen.

La explicación de esta técnica es sencilla: Photoshop te permite convertir un multicanal a RGB o CMYK si dispone de los canales suficientes para crear los canales básicos del modo correspondiente. La precaución de colocárlos vacíos delante es que para crear esos canales básicos es que usará los primeros canales que se encuentre (los de "más arriba") y que su contenido se verá (de ahí que deban estar vacíos). Los canales originales de la imagen multicanal se convertirán en canales extra de "tinta plana".

Sin embargo, al menos desde la versión 7 de Photoshop existe el inconveniente de que los tonos se pueden volver bastante distintos de lo que se representaba en tintas planas (por inexacto que esto fuera). La alteración parece estar relacionada con el sistema de gestión del color.

El problema de los duotonos, tritonos y cuadritonos es que sólo hay un canal, por lo que no es posible tratar cada tinta de forma distinta según las zonas de la imagen. La solución para esto y cosas similares es el modo de imagen de Photoshop llamado "Multicanal" (menú "Imagen - Modo - Multicanal"). En este modo, cada tinta es un canal que a la hora de imprimir se superpondrá en el orden que determinemos sobre los otros. Por ello, es posible tratar cada zona de forma particularizada.

Una forma de virar fotografías con Photoshop y tintas directas

Basado en buena parte en un trabajo de Ed Scott, 1996

Una de las técnicas más acertada y predecible para el virado de fotos se basa en un sistema de laboratorio tradicional para el virado de copias. El sistema consiste en pasar una imagen a blanco y negro y entonces aplicarle tres tonos distintos según la densidad de luz de cada zona. El resultado es bastante bueno y, sobre todo, podemos repetirlo cuantas veces queramos sin esfuerzo alguno

Virado de una fotografía con tres tonos de una misma gama

Lo primero es convertir la imagen en una fotografía de Blanco y negro ("Imagen - Modo - Escala de grises").

El siguiente paso es convertir la imagen en un tritono, es decir, en una imagen formada por tres tintas distintas. ("Imagen - Modo - Duotono"). El menú "duotono" ofrece la posibilidad de elegir el uso de una tinta (monotono), dos (duotono), tres (tritono) y cuatro (cuadritono). Elegimos la opción tritono. Para seleccionar las tintas usaremos el sistema de Pantone llamado Process (tintas de proceso). De este modo nos evitaremos sorpresas desagradables derivadas de elegir tonos fuera de la gama de colores imprimibles.

Como primera tinta, elegimos aquella que formará las sombras: Un negro de cuatricromía (PANTONE 325-1 Process). Como segunda elegiremos un marrón de tonos más bien oscuros (PANTONE 318-2 Process). Como tercera tinta elegiremos un ocre más bien claro (PANTONE 24-1 Process).

La primera tinta servirá para dibujar las sombras, la segunda para dibujar los tonos medios (medios tonos o sombras no demasiado oscuras), y la tercera para dibujar los tonos claros (las luces o sombras más claras). Hay que recordar que en los duotonos, tritonos y cuadritonos, salvo que se indique algo en sentido contrario, las tintas sobreimprimen unas encima de otras.

A continuación definimos en la zona de las curvas de tinta como se comportarán esas tintas en las distintas zonas de la imagen. De este modo, haremos que la tinta elegida para los tonos claros, por ejemplo, manche sólo en las zonas elegidas y no cargue las zonas más oscuras.

Para la tinta de las sombras marcaremos el comportamiento que se in