Cómo hacer que los contornos no cambien cuando amplias o reduces un objeto

A mucha gente le pasa que cuando aumenta o reduce un objeto o grupo de objetos, le cambia el grosor de los contornos sin que lo desee… O al revés, que no le cambia proporcionalmente y le vendría bien que cambiara.

Hacer que haga una de esas cosas es sencillo: Antes de usar la herramienta "Escala" para ampliar y reducir, haz doble click sobre el icono de la herramienta () y marca la casilla "Opciones - Escalar trazos y efectos" si quieres que los contornos cambien de tamaño o dejala sin marcar si quieres que no cambien.

A partir de ahora, hasta que no vuelvas a cambiar esa preferencia, la herramienta "escalar" y escalar simplemente con el ratón funcionará como le hayas pedido. Esta preferencia también controla los efectos, los objetos que pueda haber dentro de un trazado o los motivos (patterns) si los hubiera.

Cómo hacer siluetas y recortes en Adobe Illustrator

Cómo hacer trazados de recorte y máscaras

En Adobe Illustrator, como en otros programas de diseño gráfico, hay varias maneras de hacer siluetas, ocultando total o parcialmente elementos de un documento. Las dos maneras principales son: Trazados de recorte y máscaras.

En Adobe Illustrator, el equivalente a los "Trazados de recorte" (clipping paths) de Photoshop se llama "Máscara de recorte". El equivalente aproximado de las "Máscaras de capa" (layer mask) de Photoshop son las "Mascaras de opacidad" (opacity mask).

La razón de que no tengan el mismo nombre es, én mi opinión doble: No son exactamente lo mismo y Adobe no se caracteriza por mantener la coherencia de terminología entre distintos programas.

Las máscaras de recorte

Una máscara de recorte es lo mismo que un trazado de recorte en Photoshop. Es un trazado vectorial que se pone delante de un elemento cualquiera (sea trazado o imagen de mapa de bits) y que, al agruparse con éste, oculta de la vista todo lo que esté fuera del trazado, sin borrarlo.

Su funcionamiento es bastante sencillo: Se crea el trazado, se pone por delante o encima del objeto que se va a siluetear ("Objeto - Organizar - Delante"), se seleccionan ambos y se va al menú "Objeto - Máscara de recorte - Crear". Eso es todo.

Para liberar al objeto silueteado del efecto de la máscara de recorte, basta con seleccionar el grupo o simplementen el trazado enmascarador e ir al mismo menú "Objeto - Máscara de recorte - Soltar".

Si se desea mover el objeto silueteado, pero no el trazado enmascarador, basta con seleccionar el objeto con la herramienta de selección directa (la flecha blanca ). Si no, un trazado enmascarador y lo enmascarado se comportan como si estuvieran agrupados.

Un trazado pueden enmascarar un grupo que ya contenga otra máscara de recorte (o sea: Se admite la anidación de máscaras). Además, Un "trazado compuesto" (es decir: Con "agujeros interiores") puede ser máscara de recorte.

Las máscaras de recorte existen, al menos que yo recuerde, desde la versión 3.2 de Illustrator. Son muy compatibles. Los programas de maquetación como Adobe InDesign o Quark XPress las reconocen sin problemas (salvo aquellas excesivamente complejas o anidadas que causen errores PostScript).

Los trazados abiertos (sin cerrar del todo) pueden actuar como máscaras de recorte.

Las máscaras de recorte pueden actuar perfectamente con objetos que contengan alguna transparencia, pero actuan de forma independiente a esa transparencia: Cada una va por su lado.

Limitaciones de las máscaras de recorte

• Un grupo de objetos no puede ser máscara de recorte. Si se trata de trazados, hay que desagruparlos y hacer que formen un "Trazado compuesto" (con el menú "Objeto - Trazado compuesto - Crear". Por eso, si se trata de un texto, no puede estar formado por párrafos distintos, sino que debe estar en un mismo párrafo o bloque (o pasar a trazados formando un único trazado compuesto).

• Un trazado no puede enmascarar un objeto que esté en otra capa.

• Un trazado no puede enmascarar un objeto que esté por encima suyo en el orden de apilamiento.

• Una fotografía (imagen de mapa de bits) no puede ser máscara de recorte. Hasta la versión CS2 de Illustrator (que yo recuerde), el texto debe ser pasado a trazados (menú "Texto - Crear contornos") para poder ser máscara re recorte. En Illustrator CS2, el texto sí puede actuar como máscara de recorte (manteniendo su editabilidad, si se me permite el palabro).

• Los objetos ocultos por las máscaras de recorte siguen contando a la hora de colocar un elemento en cuanto a peso y geometría.

• Los trayectos enmascaradores de las máscaras de recorte no tienen color (ni de relleno ni de contorno). Si lo tuvieran en origen, lo pierden (y no lo recuperan al soltarse la máscara de recorte).

• Las máscaras de recorte no admiten transparencia parcial: O tapan o revelan, pero no pueden revelar un 50% de lo que hay debajo, por ejemplo. Para eso están las máscaras de opacidad.

Photoshop, los trazados de recorte y Adobe Illustrator

Algunas personas se plantean como pasar una imagen de Photoshop a un trabajo de Adobe Illustrator y que este programa reconozca el trazado como tal, ya que si se coloca un EPS de Illustrator con trazado de recorte, al estilo tradicional, Illustrator reconoce el trazado pero éste no se puede modificar.

Soluciones

• 

  Eso sólo pasa si el EPS se coloca "enlazado". Si vas a la paleta de "Ventana - Enlaces" y "Incrustas la imagen", el EPS pasa a formar parte del documento de Illustrator (con su consiguiente aumento de peso) y el trazado pasa a ser seleccionable y editable.

• Hace tiempo que no es necesario usar EPS con trazado de recorte para colocar imágenes en Illustrator: Pesan demasiado y no reconocen la transparencias. Usan formato nativo de Photoshop (*.psd) o PDF (*.pdf). Con el formato nativo, las transparencias de las capas se reconoce directamente, con todas sus ventajas

• Si por lo que sea aun tienes la necesidad de usar ese trazado sin colocar la imagen, puedes colocarla, incrustarla y luego borrar la imagen sin borrar el trazado. O, más sencillo, copias el trazado en Photoshop (Ctrl + C) y lo pegas en Illustrator (Ctrl + V).

Las máscaras de opacidad

Lo más parecido que hay a una máscara de opacidad en una "Máscara de capa" (layer mask) de Photoshop o un canal alfa.

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Son un elemento relativamente nuevo en Adobe Illustrator en comparación con las máscaras de recorte. Su funcionamiento es mucho más flexible y complejo.

Cómo se crean las máscaras de opacidad

Las máscaras de opacidad se crean de forma parecida a las máscaras de recorte: El objeto que va a siluetear o enmascarar se coloca por encima (menú "Objeto - Organizar - Traer delante") del que va a ser silueteado o enmascarado.

A continuación, se seleccionan ambos objetos o grupos. En el submenú (triángulo lateral) de la paleta de transparencia (Mayusc + F10), se activa la opción "Crear máscara de opacidad". Inmediatamente desaparece parte del objeto seleccionado. No se ha borrado, sólo ha quedado enmascarado.

Si seleccionamos varios objetos situados encima y éstos no están agrupados, sólo el superior formará la máscara. Los demás se quedarán enmascarados. Por eso, si queremos que varios objetos formen una máscara de opacidad, debemos agruparlos antes. Un trazado compuesto se entiende como un objeto o grupo, por eso no es necesario hacerlo.

La acción de la máscara de opacidad depende del color que originalmente tuviera el objeto que enmascara: Cuanto más oscuro, más tapa; cuanto más claro, más deja ver lo que hay debajo. Grados intermedios de color o tono dejan entrever lo que hay debajo de la máscara.

Esa es una de las diferencias claves de las máscaras de opacidad y de recorte: las de opacidad admiten transparencia parcial. Son la manera de crear en Illustrator, un degradado desde un color a transparente, por ejemplo.

Si pinchamos en el lado derecho de la paleta de transparencia pasamos a una especie de modo diferente (en la paleta capas aparece el nombre "Capas (máscara de opacidad)".

Cuando estamos en ese modo, no podemos pinchar nada del dibujo. Lo que hagamos sólo formará parte de la máscara de opacidad. Allí podemos trabajar como en cualquier dibujo con la salvedad de que sólo tenemos una capa (la de "Máscara de opacidad"). Para salir de esa modalidad, sólo tenemos que pinchar en el lado izquierdo de la paleta de "Transparencia" (que representa al dibujo enmascarado).

Si pintamos un objeto de color que no sea negro 100%, veremos que el objeto enmascarado se deja ver parcialmente. La opacidad depende de la intensidad o luminosidad del objeto que enmascara.

Así, un objeto rojo enmascara de forma parecida a un objeto gris o azul medio, ya que su color es irrelevante. Sólo importa su luminosidad.

Una máscara de opacidad no pierde su color. Si la soltamos en el submenú "Soltar máscara de opacidad" de la paleta de "Transparencia", vuelve a ser un objeto normal, con el color y modo de transparencia que pudiera tener antes.

Si desactivamos la opción "Recortar" de la paleta de transparencias (que viene activada por omisión), la máscara sólo ocultara aquello que tapa estrictamente (como vemos arriba). Lo demás quedará visible.

Si activamos la opción "Invertir máscara", el efecto es que la forma en la que funcionan los tonos enmascaradores se invierte. O sea: Que lo claro, tapa; y lo oscuro deja ver lo de debajo. No hay que pensar que lo oculto se muestra y lo que se veía se tapa. No es eso.

Limitaciones

Una fotografía (imagen de mapa de bits) no puede ser máscara de opacidad, pero un texto puede serlo sin tener que convertirse en trazados (a diferencia de las máscaras de recorte).

Un ejemplo práctico

Ya Hemos visto qué son y como funcionan las máscaras de recorte y las máscaras de opacidad en Adobe Illustrator. Ahora, para ilustrar mejor su utilización, vamos a verlas aplicadas en un documento como el de arriba.

Máscara de recorte de Illustrator

El número 05 que sale por la esquina superior izquierda tiene aplicada una "Máscara de recorte" ("Objeto - Máscara de recorte - Crear") para recortar ese número. Podría haberse hecho con una "Máscara de opacidad", pero una de recorte es más sencilla e intuitiva de aplicar en este caso.

El número "05" sigue siendo texto (conviene conservar los textos editables en lo posible) y tiene aplicado un 70% de transparencia en modo normal (para dejar ver el fondo verde).

El recuadro de arriba tiene un degradado radial y el de abajo tiene un relleno de motivo (pattern) de estilo clásico.

Transparencia nativa de Photoshop

Encima de lo anterior, hemos colocado una fotografía de una hoja vegetal (sacada, como en otros casos, del CD-ROM del excelente libro "The Agile Rabbit Visual Dictionary of Vegetables", de The Pepin Press).

La hemos silueteado y semienmascarado con una "máscara de capa" en Photoshop. Al guardarla como formato nativo de Photoshop (*.psd) se mantiene la transparencia en Illustrator.

Como vemos, la imagen no necesita más trabajo en Illustrator, ya que reconoce lo hecho en Photoshop. Siempre que se pueda, es mejor trabajar las imágenes de mapa de bits en Photoshop, ya que es más flexible para estos casos.

Máscaras de opacidad de Illustrator

Preparamos las tres botellas. Cada una lleva diversas máscaras de opacidad en los extremos inferiores de los reflejos luminosos de los cristales.

¿Y porqué no hacerlo con un simple degradado en modo multiplicar o trama? Pues porque el resultado no sería el mismo. Éste acabado sólo se consigue con una máscara de opacidad. Además es mucho más sencillo de realizar y de cambiar (sólo me ha llevado cuatro golpes de click fabricar las tres variantes de vino).

A continuación, preparamos el título en blanco con una máscara de opacidad. La razón es que queremos que lo que hay debajo se vaya revelando en degradado.

Modos de fusión de Illustrator

Los cristales de las botellas están en diversos grados del modo "multiplicar". El vino del interior está siempre en modo "multiplicar" al 100%.

Conclusión

Si aun te quedan dudas sobre porqué usar "máscaras de opacidad", pregúntate cómo se han hecho las flechas de este mapa (respuesta: Máscaras de opacidad en la raiz y modo multiplicar en el objeto).

Pero... Y todo esto, ¿qué tal se imprime o filma? Eso queda para cuando mire "El acoplamiento de transparencias."… en un futuro no muy lejano.

Como hacer un sello o logotipo circular con Illustrator

Este es un pequeño tutorial pensado para que los recien llegados a este programa de dibujo vectorial vean algunos métodos de trabajo. La idea es sencilla: Un sello o logotipo con textos circulares y unos bordes dentados (al estilo cervecero o de oferta al barato).

El texto circular

Abrimos Illustrator y dibujamos un círculo.

Para escribir en el círculo, usamos la herramienta "Texto en trazado".

En el menú "Ventana - Texto - Párrafo" seleccionamos la alineación al centro. No es esencial pero facilita mucho el trabajo.

Pinchamos en cualquier punto del círculo y escribimos el texto que queramos.

Con el círculo seleccionado, en el menú "Ventana - Texto - Caracter" establecemos el tipo de letra que nos apetezca (en este caso, Benton Sans Medium en caja alta, cuerpo 12).

Por omisión, Illustrator coloca siempre el texto en un círculo con la línea base mirando hacia el interior. Esa colocación se puede cambiar: Seleccionamos el círculo con la herramienta "Selección" (la flecha negra) y ponemos el cursor en la zona inferior del círculo, justo en la línea vertical que habrá aparecido al escribir.

Veremos que el cursor toma una forma especial y que al lado derecho ha aparecido una especie de pequeña letra T invertida. Esa es la seña de que el cursor está preparado para pasar el texto al otro lado del trazado.

Lo pasamos simplemente llevando el cursor al otro lado del trazado hasta que vemos que el texto se situa al otro lado. Al hacer esto conviene tener apretada la tecla mayúscula para que el texto no baile en su posición con respecto al trazado.

Con el circulo seleccionado, volvemos a la paleta "Caracter" y definimos un desplazamiento de la línea base de 10 puntos, igual al cuerpo del texto.

De este modo, situamos el texto por fuera del círculo (con lo cual el interletraje es más adecuado).

El borde dentado

Abrimos la herramienta "Estrella". Pinchamos en el centro del círculo y, sin soltar el botón del ratón, estiramos hasta sobrepasar levemente el círculo de texto con las puntas de la estrella. Si los ángulos interiores se quedan muy cortos, da igual. No dejes de apretar el botón del ratón todavía.

Aprieta la tecla Control y empuja el cursor hacia el exterior de la estrella. Las puntas se reducirán porque los vértices de los ángulos interiores se desplazarán (o sea: Las puntas de la estrella se achatan). Si las puntas son pocas o demasiadas no importa. Sigue apretando el botón del ratón.

Suelta la tecla Control (no el ratón) y aprieta la flecha de cursor arriba o abajo del teclado. Cada golpe de la tecla hacia "arriba" añade una punta, cada golpe "abajo" quita una. Cuando la estrella tenga el aspecto de borde dentado que te guste, suelta el botón del ratón y tendrás la forma acabada.

Si el texto ha quedado un poco descolocado, lo más sencillo es seleccionar su círculo y, usando la herramienta giro, colocarlo a nuestra conveniencia.

Los remates

Lo único que nos queda es añadir los detalles que creamos convenientes y los colores apropiados y ya estará terminado.

Añadimos doc círculos internos para abrazar el texto.

Seleccionamos ambos y, a través del menú "Objeto - Trazado compuesto - Crear", dejamos su interior hueco como una rosquilla, que a continuación coloreamos de rojo masa.

Añadimos otro círculo, lo llenamos de amarillo y lo enviamos detrás (menú "Objeto - Organizar - Enviar detrás". Ya, de paso, pintamos la estrella de negro.

Ahora ponemos un rectángulo negro centrado.

…Y, jugando con enviar detrás enviar delante, colocamos los objetos en el orden que queremos.

Para terminar, añadimos las letras centrales en blanco, ponemos las otras tanbién por blanco y, como ya hemos aprendido a hacer estrellas le añadimos un par de cinco puntas arriba y abajo.

¿Y con las dos orientaciones?

No es posible que un mismo trazado lleve dos líneas de texto (una por fuera y otra por dentro). Así, que para hacer un texto como el que se ve arriba (erratas tipográficas incluidas), la solución más fácil es hacer dos círculos iguales (uno encima de otro) y alinearlos al centro de ambos. Luego hay que jugar con los desplazamientos de línea base (lo que si se usan cuerpos por puntos es bastante fácil).

Cómo poner de relleno un degradado o textura a un texto en Adobe illustrator

Por Gustavo Sánchez, otoño de 2006

Los que comienzan a trabajar con Adobe Illustrator se encuentran con que no saben cómo pintar de relleno un texto con un degradado o una textura, con algo que no seal un color liso. Cuando lo intentan aplicando directamente un motivo o degradado, no se produce ningún resultado.

la solución rápida entonces suele ser convertir el texto en trazados (menú "Texto - Crear contornos"). El problema es que ya no se puede editar el texto y, además, es completamente innecesario.

La solución correcta es usar un "Estilo gráfico" (Mayusc + F5). Es rápido, sencillo y flexible; veamos un ejemplo ultrarrápido con el texto de arriba:

• 

  Creamos un texto cualquiera. El color de relleno da igual porque se lo vamos a quitar.

• 

  En algún lugar del documento, pintamos una forma geométrica cualquiera.

• 

  A esa forma, le aplicamos el degradado, motivo o relleno de fantasía que queremos usar luego.

• 

  Con ese objeto aun seleccionado, abrimos la paleta "Ventana - Estilos gráficos" y elegimos la opción "Nuevo estilo gráfico" y le damos el nombre que más nos apetezca (en este caso, como es plimas de pavo real: "pavo real").

  

  Al hacer eso, estaremos creando un nuevo estilo gráfico que tendrá exactamente los mismos atributos de apariencia (color, tipo de relleno, grosor de trazo, modo de fusión, etc…) que el objeto que tengamos seleccionado en ese momento.

• 

  Ahora, seleccionamos el texto que queremos colorear y pinchamos en la paleta "Ventana - Estilos gráficos" el estilo que acabamos de crear.

Ya está. A cada texto que queramos rellenar de esa forma, le aplicaremos el estilo correspondiente.

Y además…

Cada vez que cambies el relleno que definiste para el "estilo gráfico", cambiará igualmente en todos los objetos que tengan aplicado ese estilo (o el color de trazo, o el grosor, o… cualquier atributo incluido en dicho estilo).

Si quieres que eso no ocurra, debes seleccionar el objeto y en la paleta "Estilos gráficos" debes seleccionar la opción que dice "Romper enlace a estilo gráfico".

Cómo subir o bajar proporcionalmente el porcentaje de un color

Por Gustavo Sánchez, verano de 2006.

Muchas veces se necesita subir o bajar el tono de un color concreto en Adobe Illustrator y no queremos el engorro de crear una muestra de color (swatch) para poder hacerlo, sobre todo si aun no sabemos de que tono queremos partir para crear matices o queremos subir el tono a más oscuro (algo que una vez creada la muestra no se puede sin alterar la definición de la muestra).

Solución: Ir a la paleta color y, apretando la tecla 'mayúsculas', arrastrar con el cursor uno de los tonos básicos que lo componen para aclarar u oscurecer. Los demás tonos básicos cambiarán proporcionalmente (en la medida de lo posible, claro).

Deformaciones y distorsiones: Crear una bandera ondulando

Adobe Illustrator tiene una forma de adaptar o encajar unos objetos con otros que permite curiosos efectos tridimensionales. Vamos a hacer un ejemplo (un poco hortera, lo reconozco). Esta opción está disponible desde la versión 9 (aquí se usa la versión CS1).

Lo primero es crear la bandera en Illustrator. Como eso no tiene especial misterio, pasamos a lo siguiente: Crear la forma ondulante que va a tener la bandera, lo que tampoco es difícil:

El color que tenga es indiferente, ya que lo va a perder (sólo es un contenedor).

Colocamos la forma por delante de lo que va a contener (no hace falta que esté justo encima, sólo tiene que estar delante con "Objeto - Organizar - Delante". A continuación vamos al menú "Objeto - Distorsión envolvente - Crear con objeto superior" y lo aplicamos. Ya está:

Pero, como le falta algo de detalle, vamos a darle un poco de iluminación. Tomamos una copia del objeto envolvovente que hemos usado (y que habíamos guardado prudentemente). Le damos como color de relleno un degradado con los colores oportúnamente situados:

La damos modo de transparencia "multiplicar" al 100% y la colocamos exactamente encima de la bandera (para eso usamos la herramienta "Alinear"). Es una técnica bastante burda, pero para el caso vale:

Vale, no es muy brillante. Es sólo una forma de explicar cómo funciona la herramienta "distorsión envolvente":

Escanear y colorear comics con Adobe Illustrator CS2

Este es un breve tutorial sobre como colorear dibujos en Adobe Illustrator CS2 partiendo de un escaneado en escala de grises que luego se pasa a vectores.

Introducción

En este caso, partimos de un original impreso que queremos pasar a trazados y colorear. Como ejemplo, usamos una viñeta de Safibaracalofi una historia de Makoki, un clásico del cómic alternativo español de Gallardo y Mediavilla (publicado en como libro en 1981 por la editorial La Cúpula y antes, por entregas, en Disco Express).

La viñeta impresa original tiene unos 98 × 89 mm y su calidad de impresión no es muy brillante. Además, los dibujos originales no están pensados para ir en color, por lo que los dibujantes usaron bastante los sombreados a plumilla y trama adhesiva.

Escaneado

Lo primero es digitalizar el original escaneándolo. Cómo es un dibujo de línea no tiene sentido hacerlo en color. La duda que te puedes plantear es si hacerlo en escala de grises o en mapa de bits (dibujo de línea).

Pues, aunque te parezca un sin sentido, sobre todo al ser un escáner de calidad mediocre a mala, es mejor hacerlo como "escala de grises", ya que capturaremos mejor todos los detalles que las imperfecciones del papel y la tinta puedan haber desdibujado. Ya convertiremos a línea despúes.

En este ejemplo, he usado un escáner Agfa snapscan 1212 USB (o sea: nada del otro mundo) a 300 ppp en escala de grises. No he aplicado al escanear ningún filtro de enfoque o destramado.

Si se tratase de un dibujo original (como un boceto a mano, por ejemplo) habría aplicado los mismos valores o similares.

Si el programa del escáner lo permite, conviene fijar los puntos negro (sombras) y blanco (luces) y, llegado el caso, aplicar una curva para poder capturar el máximo posible de detalle (en mi caso no era posible, el controlador del escáner es muy limitado).

Una vez escaneado, lo guardo como formato nativo de Photoshop (*.psd) en escala de grises.

Limpiar y hacer imagen de línea

La siguiente tarea es preparar el documento para que el programa de vectorizado pueda transformarlo lo mejor posible. Lo que vamos a hacer es limpiarlo recuperar los detalles de luces y sombras que se puedan perder:

1. Duplicar la capa original

   

   En el menú "Capa" (layer), duplicamos la capa de "fondo" (para no perder el escaneo original). La nueva capa, situada encima de "Fondo" (Background) se llamará por defecto "Capa 1 " (si nos apetece cambiar el nombre, la podemos llamar "Recuperar").

2. Crear una capa de ajuste "umbral"

   

   En la paleta "Capas" creamos una nueva "Capa de juste" (adjustement layer) de tipo "Umbral" (Threshold) encima del todo. Con esta capa "Umbral", la imagen se convertirá en sólo dos tonos: Blanco (0% de tinta) y Negro (100% de tinta). No habrá puntos intermedios. La decisión de qué tonos se convierten en negro y cuáles en blanco, se hace marcando un "umbral" (threshold) de límite entre ambos tonos. Como es una "Capa de ajuste", ese límite no es destructivo. Si no nos gusta cómo queda, podemos alterar el punto medio de umbral cuanto queramos.

   

   Al abrir la capa "Umbral", veremos que aparece un histograma en el que se distribuyen los tonos de la imagen y hay un deslizador, que sirve para marcar el punto de "Umbral".

   

   ¿Cuál es el punto óptimo en el que se marca el umbral para pasar un dibujo a línea? Pues depende de cada dibujo. Hay que ir probando hasta hallar el punto en el que conservemos lo máximo del dibujo sin tener que retocar demasiado en luces o en sombras. En este dibujo, un buen valor de umbral parece andar cerca de "159" Una vez decidido, pasamos a trabajar los detalles.

3. Recuperar detalles los perdidos al pasar a línea

   

   Si ocultamos y mostramos la capa umbral varias veces seguidas (hacemos click en el ojo que aparece al lado de la capa en la paleta "Capas", veremos que en algunas zonas hemos perdido luces (Algunos pequeños detalles blancos rodeados de negro) y sombras (las rayas oscuras más finas). Como la capa de tipo "Umbral" es un ajuste general para toda la imagen, eso es inevitable. La solución es corregir trabajando los detalles desaparecidos para recuperarlos.

   El truco es ir a la capa "Fondo copia" )que previsoramente habíamos creado) y sobrexponer donde las luces se han cegado y subexponer donde se han perdido los rasgos oscuros (sombras) más finos:

   • Recuperar o abrir las zonas claras (luces) cegadas

     

     En el fez de Jul'ahy se han perdido algunas luces (rayas blancas finas), por ejemplo: Pinchamos en la capa "Fondo copia" para activarla.

     

     Seleccionamos la herramienta "Sobrexponer" (Burn), con las opciones "Medios tonos" (Midtones) y la exposición al "50%".

     

     Con eso, vamos a aclarar las zonas claras que se están perdiendo (cegando) lo suficiente como para que caigan del lado blanco del umbral que hemos marcado.

     Trabajamos con cuidado, yendo zona a zona para no pasarnos. Para ayudarnos y valorar los progresos, mostramos y ocultamos la capa "Umbral" pinchando en el correspondiente icono del ojo en esa capa para ver qué hay debajo y si hemos recuperado lo que queremos. No temas si el dibujo debajo de la capa "Umbral" parece quedar muy mal (es usual, la capa "Recuperar" tendrá zonas quemadas o cegadas). Lo que importa es lo que se ve cuando la capa "Umbral" está activa.

   • Recuperar o engrosar los rasgos oscuros (sombras) perdidos

     

     Trabajando aun en la capa "Fondo copia" vamos a hacer lo contrario: Engrosaremos las líneas o zonas oscuras finas que se hayan roto o perdido un poco para que superen mejor el umbral blanco-negro.

     

     Ahora seleccionamos la herramienta "Subexponer" (Dodge) con las opciones "Medios tonos" y la exposición al "50%". De nuevo trabajamos con cuidado y mostrando y ocultando la capa "Umbral" para controlar el progreso.

   • Máscara de desenfoque

     

     Una técnica opcional para mejorar las imágenes de este tipo escaneadas es usar también el filtro "Máscara de enfoque" (Unsharp mask) con valores absurdamente elevados (Cantidad: "212%", radio: "1 píxel", Umbral: "0 niveles", por ejemplo). Eso suele funcionar mejor antes de usar sobreexponer y subexponer.

Vectorizar y colorear el dibujo en Illustrator CS2

En principio, la imagen está preparada. Antes de Illustrator, con otros programas de vectorización como el difunto Adobe Streamline, CorelTrace o la opción de vectorización de Macromedia Flash, había que masajear las imágenes bastante más, desenfocarlas incluso un poco y pasarlas a mapa de bits con más resolución (unos 800 ppp). Con la opción "Calco interactivo" (Live Trace) de Adobe Illustrator CS2 ya no es necesario:

1. colocar el dibujo

   En Adobe Illustrator, abrimos un documento nuevo (en CMYK: "Archivo - Modo de color del documento: CMYK") que tenga el tamaño suficiente para contener el dibujo original (en este caso le damos 120 × 120 mm.).

   

   Con la opción "Crear nueva capa" del menú "Ventana - Capas" (Layers), creamos una nueva capa encima de la "Capa 1" y la llamamos "Líneas" (si de paso renombramos la "Capa 1" como "Colores", mejor).

   

   Nos colocamos en la capa "Líneas" y, mediante el menú "Archivo - Colocar" (Place) (mejor con la opción "Enlazar"), traemos la imagen escaneada de Photoshop, que colocamos al 100% de su tamaño en Illustrator.

2. Vectorizar la imagen colocada

   

   Seleccionamos la imagen haciendo clic con el puntero en cualquiera de sus zonas. En la "Paleta de control" (Control Palette) (menú "Ventana") aparecerá un menú contextual (que también sale en "Objeto - Calco interactivo").

   Esta es la esencia del asunto: Adobe ha incluido y mejorado mucho el antiguo vectorizador que tenía como programa separado en el desaparecido Adobe Streamline.

   

   De fábrica, en este "Calco interactivo" (Live Trace), Adobe ha incluido "Opciones" o ajustes que ya están muy afinados para distintas necesidades. En nuestro caso, seleccionamos la imagen colocada y seleccionamos la opción "Cómic" del menú desplegable.

   

   La imagen se ha convertido en un "Grupo de pintura interactiva" (concepto en el que no vamos a entrar ahora). Podríamos usar esta posibilidad, pero los rasgos abiertos del dibujo no se prestan a ello (además de que lo dejo para explicarlo en otra ocasión).

   

   Por eso, seleccionamos el grupo y ejecutamos el menú "Objeto - Calco interactivo - Expandir" (aparece también como botón en la "Paleta de control". Eso convierte el grupo interactivo en un conjunto de trazados tradicionales.

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   De paso, ya podemos guardar el documento de Illustrator para seguir trabajando. Elegimos formato nativo (*.ai) o PDF de Illustrator (*.pdf con "Mantener capacidades de edición de Illustrator").

3. Pasar la línea a negro

   Lo primero es asegurarnos de que la línea negra es sólo negro al 100% y de que va a pisar sobre lo demás.

   • 

     En la capa "Líneas", seleccionamos el dibujo y abrimos la paleta "Ventana - Color" (F6). Con la herramienta de "Selección directa" (la flecha blanca) Seleccionamos el color de trazo y comprobamos que es CMYK: 0/0/0/100 (o sea: sólo tinta negra al 100%).

   • 

     Seleccionamos todo el contenido de la capa ("Seleccionar - Todo" (Ctrl+A) y en la paleta "Ventana - Transparencia", marcamos el modo "Multiplicar" (Multiply) al "100%".

4. El coloreado

   Vamos a comenzar realmente el coloreado. Activamos la capa "Colores" haciendo clic sobre ella en la paleta "Capas".

   

   Mejor aun: También bloqueamos la capa "Líneas" haciendo clic en la casilla correspondiente de la paleta, donde aparecerá un candado).

   

   El primer parche, como ejemplo, será el jersei del personaje central con gafas (el Emociones). Elegimos un tono verde y la herramientas pluma o lápiz. Pintamos un parche de color que rellene el jersei intentando que la mancha ni sobresalga ni se quede corta de las líneas que lo delimitan (este método es una vieja técnica de dibujos animados en la que se pintaban los colores por detrás de acetatos con el dibujo de línea).

   

   Ahora pintaremos las carnes de todos los personajes.

   

   También la ropa de cada uno (incluimos el pelo y la barba). Y el fondo final (tras dibujarlo, lo colocamos detrás de todo con la orden "Objeto - Organizar - Enviar detrás").

   

   Ya está. Tras un rato de trabajo, tendremos el dibujo pintado como un San Luis y formado por dos capas: Una superior con la línea negra y otra inferior con el color.

Hay otras muchas maneras de colorear un dibujo y muchas de ellas implican el uso combinado de Photoshop e Illustrator (o incluso de otros programas), pero esta es una técnica muy rápida una vez que se toma soltura.

Conviene normalizar los tonos de color

Por cierto, cuando se está coloreando un cómic que tiene personajes y situaciones que se repiten es my conveniente (casi obligatorio), crear una paleta de muestras (swatches) con los colores de cada personaje identificados. Eso facilita mucho el trabajo y la consistencia visual.

En Illustrator para un caso como este es conveniente crear las muestras como muestras CMYK "globales" para poder alterarlas de un golpe una vez aplicadas.

Hacer un borde recortable en Adobe Illustrator

A veces queremos dibujar una línea discontinua de recorte en torno a una imagen, como si fuera un cupón recortable. En Adobe Illustrator es sencillo aunque no sea intuitivo:

El procedimiento

• 

  Se selecciona la figura que se quiere contornear (en este caso, la cabeza de detective)

• 

  Con la imagen aun seleccionada, vamos al menú "Objeto - Trazado - Desplazamiento", que sirve para dibujar una línea exterior a la selección que esté activa (lo seleccionado permanece sin alterar).

  

  En "Desplazamiento" se indica cuánto se quiere que sobresalga el trazado hacia fuera del objeto original. En la opción "Junturas" indicaremos "Redondeadas" para que los bordes no tengan esquinas y picos, sino que sean siempre curvas suaves. La opción "Ángulo mínimo" es un poco compleja de explicar y como el valor de fábrica "4" suele ser adecuado, la dejaremos así y aceptaremos.

  

  Mirando sólo los trazados ("Ctrl + Y"), veremos que la imagen original se mantiene y que se ha añadido un nuevo trazado alrededor. Coloreamos el trazado con "Negro" y le damos de color de relleno "Ninguno".

• 

  Ponemos las rayas o puntos a la línea recortable: En el menú "Ventana - Trazo", marcamos la opción "Línea discontinua" (si no la ves, expande la paleta con "mostrar opciones" en la flecha lateral derecha de la paleta).

  

  Para hacer rayas, marca un valor de "guión" el doble de largo, por lo menos, que el valor de "hueco".

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  Para rematarlo, seleccionamos un caracter con forma de tijera en una fuente que lo tenga (en este caso, la Zapf Dingbats, de Adobe) y añadimos los textos y colores que queramos.

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  Ya está. Tan sencillo como esto.

Advertencia

La forma que uses para recortar puede ser un trazado simple, como el usado en este ejemplo o una forma muy compleja con varios trazados. La diferencia es que en el caso de formas complejas, el resultado puede tardar mucho y generar muchos pequeños trazados no deseados. Por eso, en esos casos, es mejor duplicar la forma en otra capa y trabajar el trazado resultante para eliminar los originales y todos los minitrazados no deseados.

Los colores directos en Adobe Illustrator

Aparentemente, Illustrator (de Adobe) es un programa perfectamente preparado para trabajar con colores directos, sacándoles el máximo partido.

Esto no es del todo cierto. Illustrator (y en general todos los programas de Adobe), al menos hasta su versión CS (que hubiera sido el número 11) carece del sistema de colores de tintas mixtas (mixed inks) de InDesign CS o multitinta (multi-ink) presentes desde hace mucho tiempo en Quark XPress, que sí permite sacar el máximo partido a los matices de tintas planas en trabajos a dos tintas (duotonos).

En este artículo se describe un procedimiento para trabajar con colores directos en Illustrator enfocado a trabajos de sólo dos o tres tintas. No es un procedimiento complicado aunque en algunos casos pueda llegar a ser un poco engorroso.

Lo bueno que tiene este procedimiento es que lo puedes aplicar también en Adobe InDesign o Quark y así integrar tu producción de colores sin problemas.

Hay otros métodos de de preparar ficheros a dos tintas con Illustrator. Son procedimientos un poco más engorrosos que dan ficheros más pesados y a veces problemáticos, pero que evitan usar este sistema "por aproximación". La elección es tuya.

El problema

Supongamos que queremos hacer un dibujo a dos tintas. De hecho, vamos a hacer una versión de uno que venía en el clip-art del CD-ROM de Illustrator 9 (gracias, Adobe).

Es muy importante que el fichero en el que vayamos a trabajar esté definido en modo CMYK, no en RGB.

La cuestión es que ahora debemos prepararlo para sólo dos tintas: Negro y Pantone 152 CVC. El problema que tenemos es cómo sacar el máximo partido tonal a dólo dos tintas.

El hecho es que Illustrator no permite definir muestras (swatches) basándose en dos tintas planas. En modo CMYK, sólo permite formar nuevas muestras CMYK o Tinta Plana (spot colour).

Sin embargo, para hacer lo que queremos tendríamos que poder definir nuevos colores sobre la base de dos tintas planas. Así trabaja Quark XPress con los colores multitinta (multi-ink), lo que permite sacar el máximo partido a trabajos con sólo dos o tres tintas.

Esta versión es lo que podemos conseguir con el método "tradicional" de trabajar con tintas planas en Illustrator. No hay colores que contengan a la vez Negro y Pantone 152 CVC en ninguna tonalidad o porcentaje. Esto es desperdiciar las posibilidades de los duotonos y colores directos.

Hay una solución que pasa por el hecho de que Illustrator permite trabajar hasta con cuatro tintas "planas" combinables entre sí: Cian, Magenta. Amarillo y Negro.

Ese es el truco: Si tomamos los colores básicos de cuatricromía como tintas planas podremos hacer todas las combinaciones de tintas que queramos (hasta un límite de cuatro colores). A este sistema de trabajar colores directos utilizando las planchas de cuatricromía como sustitutivos se lo llama a veces "trabajar por aproximación" (color proxie).

Ésta otra versión es el resultado que podemos alcanzar. No es que sea espectacular, pero ha aparecido una tercera gama de tonos, formada por la mezcla del Pantone 152 CVC y el negro.

Construir el fichero

Veámos cómo se hace paso a paso.

1. Si vas a modificar un fichero a todo color, saca una copia del fichero. Si vas a crear uno nuevo, crealo en blanco .

2. Borra todas las muestras (swatches) que pueda haber con la excepción de "Ninguno, blanco y Registro" (podrías borrarlas, pero es mejor dejarlos para evitar corrupciones del fichero).

3. Define las siguientes muestras:

   1. Pantone 152 CVC, como color de tipo de tipo CMYK "global" (esto es fundamental).

      

   2. Negro: muestra de tipo CMYK "global", igual que el Pantone 152 CVC.

      

   3. Un color (CMYK "global" siempre) que debe ser la suma del negro y de la interpretación CMYK del Pantone 152 CVC (como ves en su composición aquí debajo). Dale un nombre que te indique su naturaleza. Por cierto, parece negro pero no lo es. Ya lo verás.

      

   4. Puedes (aunque no es imprescindible) crear otras muestras "mixtas" formadas por un porcentaje de Pantone 152 CVC y negro. Este es el ejemplo de un color formado por 50% de Pantone 152 CVC y 100% de negro:

      

4. Ahora, usa estas muestras que has creado como únicos colores para tu trabajo.

   

5. Como son colores definidos como muestras CMYK "globales", verás que en la paleta "Color" aparece la posibilidad de elegir un matiz de ese color poniendo simplemente el cursor encima del degradado inferior de la paleta "Color" al tener un objeto seleccionado o escribiendo un porcentaje.

   

6. Para obtener matices de colores "mixtos", formados por un porcentaje de Pantone 152 CVC y Negro, basta con hacer lo mismo (ahora ves que esos colores no son "negro" realmente).

   

7. Puedes incluso formar degradados con varias de esas muestras o matices de ellas.

Cómo transformarlo

Cuando lo hayas acabado, tendrás un dibujo con dos tintas... o ¿no? Pues no, aun no. Si elijes una impresora PostScript podrás acceder al menú "Separaciones". Allí veras que tienes más de dos planchas imprimibles, por lo cual tu fichero no es aún un duotono (sólo debes ver dos planchas: Negro y Pantone 152 CVC). El procedimiento para conseguirlo es:

1. Saca una copia del fichero ya terminado (para no estropear el original).

2. Define una nueva muestra CMYK "global" con un valor de sólo Magenta 100%. Llámala "Magenta" (sobre porqué usar el magenta y no otro color, te sugiero que leas Conjugar bien los ángulos, de Peter Fink)

   .

3. Define una nueva muestra CMYK "global" con un valor de Magenta 100% y Negro 100%. Llámala "Magenta100Negro100".

4. Repite esa creación de muestras tantas veces como colores "mixtos" simulados hubieras creado. En cada caso, el componente magenta del nuevo color debe ser igual al valor CMYK máximo que tuviera el fingido Pantone 152 CVC. Es decir, que si tenía un valor M35%, A45%, su valor magenta debe ser 45%. Mantener esa proporción es esencial.

   

   Este es, por ejemplo, el color que debe sustituir al 100% de Negro y 100% de Pantone 152 CVC (que habíamos interpretado en CMYK por 51% Magenta y 100% Amarillo).

5. En la paleta de "Muestras" (ponla en "Visualizar nombres" para que te sea más fácil trabajar), al tiempo que aprietas la tecla Alt, arrastra el color "Magenta" encima del nombre del Pantone 152 CVC. Así sustituirás cualquier uso de la muestra "Pantone 152 CVC" por los valores correspondientes de la muestra que arrastras encima. Repite esta operación con todas las muestras nuevas hasta haber sustituido unas por otras.

Ahora tienes un fichero que tendrá un aspecto rosado similar a éste. La simulaciones CMYK del pantone 152 CVC han sido sustuidas en su totalidad por el Magenta, que dispone de una plancha para él solo.

Es muy posible que si escogiste un Pantone más bien claro, hayas visto que el fichero se oscurece bastante al pasar el Pantone en cuestión a magenta. No te asustes. No lo corrijas. Es lógico: Un 100% de una tinta clara ha sido sustituido por un 100% de una tinta más oscura. Cuando el impresor "cargue" la imprenta con la tinta adecuada, ese fichero se imprimirá con las tonalidaded adecuadas.

Haz pruebas virtuales

Para rematar la conversión, ve al menú "Archivo - Separaciones". Para que esté activo este submenú, debes haber elegido antes una impresora PostScript. Aunque no tengás el aparato instalado da igual, basta conque hayas instalado el controlador (driver). La impresora virtual Acrobat Distiller, por ejemplo, es PostScript.

Como en este caso, debes ver que sólo hay imprimibles 2 planchas: El negro y el Magenta. Si hay más, es que no has sustituido todas las muestras antiguas o que existe algún color definido como "directo" (spot colour). Repasa las definiciones de colores (Negro incluido, por cierto que en la captura de pantalla se me pasó marcar "sobreimprimir negro". ¡Qué no te pase a tí!).

Sin embargo, como conviene prever los problemas y comprobar que lo que vamos a enviar a imprenta o fotomecánica es correcto, vamos a rizar el rizo y haermos unas pruebas virtuales de cómo saldrá el fichero al imprimirse con las tintas directas elegidas.

Es bastante sencillo. Abre Photoshop y allí abres el fichero de Illustrator (no hace falta que lo guardes como EPS, Photoshop "entiende" Illustrator).

Habrás obtenido algo similar a esto, con una paleta de canales de ese tipo (canales cian y amarillo, vacíos).

¿Quieres ver de forma rápida cómo se verá tu fichero duotono si decides imprimirlo con otra tinta? Em Photoshop es muy fácil. Tira a la papelera los canales cian y amarillo (di "sí" cuando te pregunte "¿acoplar capas?"), y haz click dos veces sobre el canal magenta.

Este es el cuadro de diálogo que verás. Haz click sobre el cuadradito de "color" y pasarás al cuadro de diálogo de "elegir nueva tinta" (para entender bien que está pasando, te recomiendo que te leas la página sobre ficheros multicanal en Photoshop). Escoge el pantone 152 CV. Cuando lo hagas, la imagen se verá así:

O así (eligiendo rápidamente tres tintas distintas. Pantone 368 CVC, 632 CVC y 257 CVC):

¿Complicado? No tanto. El punto fundamental para terminar, es que debes comunicarle muy claramente a quien vaya a imprimir aquello que has usado el magenta "como sustitución del Pantone 152 CVC" y que debe "usar la plancha del magenta para imprimir ese color directo".

Díselo de forma clara, sencilla y sin ambigüedades. Entrega una copia de impresora con todo anotado y pon allí tu nombre y una forma de contactar contigo en caso de problemas o dudas (no debería haberlas, pero más vale prever).

Los pinceles en Adobe Illustrator

Introducción

Adobe Illustrator es un programa de dibujo vectorial. Eso quiere decir que su dibujo se basa en trazos que se definen matemáticamente, son vectores matemáticos. Esos trazos se pueden personalizar alterando sus características, y esas personalizaciones se pueden almacenar: Son los llamados "pinceles" (brushes).

Con los pinceles se pueden crear trazos con formas diversas, variaciones de grosor, dispersando elementos por el dibujo, etc… Las posibilidades son casi infinitas por si mismas y además porque admiten combinaciones.

Cuando aplicamos un pincel a un trazado, su apariencia se altera dependiendo de cómo sea ese pincel. En la imagen de arriba, podemos ver un trazado al que se ha aplicado un sencillo pincel caligráfico.

Tipos de pinceles

Los pinceles se agrupan en cuatro apartados distintos, cada uno con sus reglas, características y usos. Antes de aplicar un pincel, se dice que un trazado tiene una "Apariencia básica":

1. Pinceles caligráficos

   

   Son la forma más sencilla de pinceles en Illustrator y por eso no permiten muchas variaciones. Todas ellas se basan en una punta redondeada cuya forma y flujo se puede variar.

2. Pinceles de arte

   

   Se basan en aplicar un trazo o grupo de trazos sobre el trazado. Los trazos del pincel se estiran y distorsionan lo necesario para adaptarse al otro trazado. Su efecto es similar a las pinceladas que dan los artistas que usan pinceles reales con fluidos como tinta, pintura o acuarela.

3. Pinceles de dispersión

   

   Se basan en la aplicación de un objeto a un trazado repitiéndolo a lo largo de su recorrido. En su dispersión, se puede elegir si la distancia entre los elementos repetidos varía. También se puede variar su tamaño, su ángulo de rotación y su distancia respecto al trazado. Todas esas variaciones se pueden definir para que sean aleatorias entre dos valores (máximo y mínimo) o dejar en un valor fijo.

4. Pinceles de motivo

   

   Se basan en la aplicación de una greca al trazo. Para formar esa greca o motivo lineal se pueden definir hasta cinco elementos: Comienzo, lateral, esquina interior, esquina exterior y final. De ellos, el único elemento obligatorio es el lateral (o sea: El que se aplica al trazado por omisión).

   La adaptación de los componentes de la greca al trazado se puede escoger.

Limitaciones generales

• En su creación

  • Al definir un pincel no pueden incluir: Muestras de motivos (pattern swatches), Degradados (gradients), Imágenes de mapas de bits (fotografías), Mallas de degradado (gradient meshes), Gráficos (de barras, tartas o similares), Máscaras de opacidad (opacity masks) o recorte (clipping masks), Textos sin convertir a trazados (salvo en los pinceles de dispersión, donde sí se puede), Fusiones (No en los pinceles caligráficos o de arte, pero sí en los de dispersión y motivo).

    

  • En un documento no puede haber dos pinceles con el mismo nombre. Si se añadiera a un documento un objeto que llevase aplicado un pincel con el mismo nombre que otro ya existente, Illustrator renombra automáticamente el pincel añadido poniéndole un número al final (por ejemplo: "Cálamo" y "Cálamo 1", que sería el nuevo añadido). No hay posibilidad de opción.

  • 

    Si un pincel añade una muestra de color con el mismo nombre que otra existente y hay alguna diferencia en la definición de ambas muestras, se produce un "conflicto de muestras" y aparecerá cuadro de diálogo pidiendo la intervención del usuario para resolver esa discrepancia: "Combinar muestras" (el color añadido con el pincel se convierte en el existente en el documento) o "Añadir muestras" (el color añadido con el pincel se queda como está y se añade a la paleta de muestras con la leve modificación de añadirle un número detrás; por ejemplo: "verde masivo" y "verde masivo 1").

    Advertencia: Sea cual sea la decisión, la definición de la muestra incluida en el pincel no cambiar, por lo que el conflicto se repetira todas las veces que se aplique el pincel (con el consiguiente lío de muestras repetidas). Por eso conviene redefinir las muestras en la paleta o redefinir el pincel.

• En su aplicación

  • Al ser definiciones de contornos de trazados, no se aplican a los rellenos (fills) sino a los contornos (outlines) de los trazados (paths).

  • No se pueden aplicar a imágenes de mapas de bits (fotografías).

  • No se pueden aplicar directamente a textos. Antes hay que crear un "estilo gráfico" que los contenga para poder aplicarlos. Con las máscaras de recorte ocurre lo mismo: Hay que crear un estilo gráfico para poder aplicáselos (aunque personalmente, los motivos para aplicar un pincel a una máscara de recorte no se me ocurren).

  • Los pinceles aplicados en un "estilo gráfico" no se pueden borrar (aunque no se usen) hasta que no se haya borrado el estilo en el que participan.

  • Si un pincel lleva incluida en su definición una muestra de tinta plana y ésta muestra se borra del documento, el color se convierte al equivalente del modo de color del documento (CMYK o RGB según el documento haya sido definido en el menú "Archivo - Modo de color del documento").

  • Aunque un trazado puede recibir más de un pincel, esa aplicación se hace siempre a todo el trazado, no sólo a una parte. Para que un trazado tenga un pincel aplicado sólo en una parte hay que partir el trazado.

    Nota: Sin embargo, un objeto o grupo de objetos puede recibir más de un pincel. Basta con añadir un nuevo trazo a partir de la paleta "Apariencia" y aplicar a ese trazo un pincel distinto.

    Su orden de aplicación se puede cambiar alterando su orden en esa paleta.

Las bibliotecas de pinceles

Los pinceles creados se van añadiendo al documento que estaba abierto cuando se crearon. Para guardar los pinceles, basta con guardar el documento como archivo nativo de Illustrator (*.ai) o como "biblioteca de pinceles" (de hecho, es exactamente lo mismo). Conviene limpiar el documento de objetos no deseados, por cierto.

Si el documento se guarda en el disco duro junto a las otras "bibliotecas de pinceles" ("...\Adobe Illustrator CS2\Valores preestablecidos\Pinceles)"), estará disponible como tal biblioteca en el menú "Ventana - Bibliotecas de pinceles". Si no, basta con localizar el documento a través del menú "Ventana - Bibliotecas de pinceles - Otra biblioteca…"

También se añaden de un documento a otro los pinceles correspondientes si se pega un objeto que los lleven aplicados (y estilos gráficos y muestras).

Además de crear las bibliotecas propias, en Internet existen infinidad de bibliotecas de pinceles de Illustrator ya creadas. Algunas son de pago y otras son completamente gratuitas. Algunas son de bastante calidad y otras (muchas) son de calidad o gusto más que dudoso. Es cuestión de buscar. Una búsqueda con los términos "Illustrator brushes freebies" rinde una rápida cosecha, por ejemplo, de pinceles gratuitos.

En cualquier caso, como en todo trabajo, es cuestión de organizarse y guardar las cosas donde las podamos encontrar y usar con comodidad.

Técnicas básicas para crear mapas

Adobe Illustrator es un programa ideal para hacer gráficos como los mapas, pero si se conocen algunas técnicas muy básicas ("Apariencia" "Estilos gráficos", "motivos" y "Símbolos", sobre todo), el trabajo se facilita mucho.

Lo que viene a continuación, construyendo un mapa ficticio es un simple vistazo a lo más básico. Muchos procedimientos se pueden hacer de más de un modo.

Ciudades y pueblos

Se suele representar poblaciones con círculos, cuadrados y similares. Vamos a tener una capital, cinco pueblos medianos y seis aldeas.

Como no nos gusta trabajar en balde, usaremos una biblioteca de "Símbolos". Crear un "símbolo" es lo más simple del mundo: Se crea un dibujo y se guarda en una "biblioteca de símbolos" (con arrastralo dentro de la paleta "Símbolos" bastará. Desde ahí se puede arrastar en cualquier dibujo tantas veces cómo se quiera.

Lo mejor es que, si algo en el dibujo debe cambiar, con alterar el símbolo y pedir que se actualice, los cambios hechos se reflejarán en cada una de las veces que hayamos aplicado ese "símbolo". Además, donde no queramos que cambien las cosas, bastará con "desenlazar" el símbolo.

Carreteras y vías de ferrocarril

Un camino es una línea. Así que, con la herramientas pluma o lápiz y un color visible (negro, por ejemplo), trazamos nuestros caminos básicos. Para darles el aspecto, usaremos los "Estilos gráficos".

Seleccionamos una línea cualquiera y abrimos la paleta "Apariencia". Ahí se ve todo lo que tiene aplicado ese objeto. Los elementos se ven por orden: Lo de más arriba en la paleta estará más arriba (delante) en el dibujo.

Seleccionamos el elemento "Trazo" y lo duplicamos ("Duplicar elemento" o pinchar en el icono ). Ahora habrá dos "Trazos". Seleccionamos el que está debajo y le damos 4 puntos de grosor. Luego seleccionamos el de arriba y le damos 2 puntos y color blanco.

Para terminar, guardamos esa apariencia como "Estilo gráfico" en el submenú "Nuevo estilo gráfico...". Ya podemos aplicarlo a los demás caminos:

¿El ferrocarril? Es fácil: Dos "Trazos". El de debajo es más grueso y discontinuo:

Obviamente, si tienes un buen juego de símbolos y estilos gráficos hechos, hacer nuevos mapas es cada vez más fácil.

Como verás, los textos del mapa tienen un contorno igual al color del suelo. Al hacer mapas, eso es bastante conveniente ya que muchas veces los textos tienen que pasar por encima de muchas rayas y eso ayuda a la lectura.

Ese contorno se ha hecho también con un estilo gráfico, añadiendo un trazo por detrás. La razón de no hacerlo con un trazo directamente es que el resultado no sería el mismo. Pruébalo y verás porqué.

Por cierto, lo que no te interese del mapa, las rebabas, lo quitas de la vista recortándolo con una simple "máscara de recorte".